Silver Particules

Deep End, Jerzy Skolimowski, 1970

2011-12-02T23:13:00.008+01:00

No need to use Google translation there's an English version following the French one!!!

Cet été, le film de 1970 de Jerzy Skolimowski, Deep End est ressorti sur nos grands écrans, et cet automne, Carlotta nous présente, comme un cadeau de noël parfait pour cinéphiles, les DVD et Bluray de ce chef d'oeuvre.

Premier film britannique d'un réalisateur polonais (qui à l'époque ne parlait pas vraiment la langue de Shakespeare) et filmé à Munich, Deep End est très anglais.

À Londres, pendant les swinging sixties, un adolescent de quinze ans commence son premier travail aux bains publics. La collègue supposée lui apprendre le métier, Susan, est très sexy, et il tombe immédiatement amoureux d'elle.

Ce qui me frappe d'abord en regardant Deep End, c'est la douceur des couleurs et leur intense beauté (due au formidable travail de Charly Steinberger (directeur de la photographie) et des chefs décorateurs Max Ott Jr et Anthony Pratt ). Des jaunes, verts et orange pastel qui semblent répondre aux incroyables bleus et rouges de la photographie de Raoul Coutard dans les films de Godard. Cette oeuvre est d'abord belle, mais je ne parlerais pas de sa beauté si la réalisation n'était pas harmonieuse, et Deep End est léger, lumineux, libre et libéré. L'acteur qui interprête le rôle de Mike (John Moulder-Brown) joue avec grâce et imagination, il est comme un Antoine Doinel qui n'aurait pas encore souffert, et qui ressemblerait physiquement à un jeune David Bowie.

Sa collègue Susan, Sue (Jane Asher) est une femme libérée, elle a un fiancé, mais aussi un amant, et ne se prive pas d'ajouter des hommes à sa liste. Elle ne se sent pas coupable, bien dans sa tête et bien dans son corps, elle parle ouvertement de sexualité.

Le vrai sujet de ce film est la sexualité

Les bains sont le lieu où les gens se sentent libres d'être qui ils sont. Leurs corps ne sont plus prisonniers des vêtements, et derrière les murs protecteurs ils n'ont plus à se soucier du qu'en dira-t-on: le prof de sport ( amant de Sue) balade une troupe de lycéennes excitées comme des puces, qu'il pousse dans la piscine, et auxquelles il tâte les fesses. Une grosse femme ( Diana Dors, qui fut, paraît-il la Marilyn Monroe britannique) utilise pratiquement Mike pour se masturber en se remémorant un match de foot où George Best marqua sept buts...

L'éminence grise de cette histoire est la piscine:

Je ne sais pas vous, mais pour moi les piscines sont des lieux à la fois anxiogènes et fascinants. Pleines ou vides je les trouve toujours très photogéniques. J'ai été très surprise par le ton léger du film dans un tel décor. C'est là où l'ont sait que l'oeuvre n'a pas été crée par un britannique. Si j'aime beaucoup les oeuvres télévisuelles du Royaume Uni, je trouve pratiquement toujours le cinéma anglais démonstratif, technique, pesant et sans grâce: Deep End n'a aucun de ces défauts (il n'a d'ailleurs aucun défauts, ce film est un moment de grâce). Donc j'étais étonnée de rire si librement et que la piscine ne soit cause d'aucunes appréhensions dramatiques. .

La piscine a un pouvoir par elle-même. L'eau est un conducteur électrique et spirituel. On ne sait jamais ce qui se cache dans les profondeurs. C'est sensuel, c'est magique, et dans l'H2O notre perception du monde change. Sous l'eau tout semble sortir d'un rêve...

Deep End est à voir absolument, c'est un film sublime, parfait à tous les niveaux!

À propos du DVD: le film est présenté en VF et VO sous-titrée. En Bonus il y a un making of: Point de Depart: le tournage du film “Deep End” de Jerzy Skolimowski dans lequel s'expriment tous les protagoniste de la création de ce chef d'oeuvre. “deep End: souvenirs des scènes coupées” et la lecture par Etienne Daho de “Deep End”, c'est moi, hommage qu'il rendit au film dans libération.

Je remercie Cinétrafic qui m'a permis de découvrir ce grand film.

Retrouvez sur Cinétrafic la catégorie Film d'amour et bon film!

First British film of a Polish director (who in these days only spoke a few words of Shakespeare's language) and filmed in Munich, Deep End has a very British setting.

In London during the swinging sixties a fifteen years old teenager starts his first job in the public baths. The colleague supposed to teach him the ropes, Susan, is very sexy and he instantly falls in love with her.

The boy being a boy, she enjoys teasing him.

What first amazes me watching Deep End, is the soft use of colours and their intense beauty(this is the fruits of the wonderful work of the cinematographer Charly Steinberger and the art directors Max Ott Jr and Anthony Pratt). Pastels yellows, oranges and greens seem to answer to the wonderful blues and red of Raoul Coutard's cinematography in Godard's film. There's harmony between the cinematography and the filming. Deep End is light, luminous, free and liberated. The young actor playing Michael(John Moulder-Brown) is playful and dancing in the street, acting with grace and imagination, he's like an untraumatised Antoine Doinel, who would look like a young David Bowie.

His colleague Sue, Susan,(Jane Asher) his a free spirit, she has a fiancé, and also a lover (the sport teacher), she could easily add another man to this shortlist, she's not burdened by any guilt, and easily speaks of sexuality.

Because, that's the subject of the film: sexuality

The baths, the swimming pool are the places where people feel free to be who they are, their bodies not being anymore enclosed with clothes: The sport teacher leading a group of excited and giggling teenage girls, don't hesitate groping them. A fat woman (Diana Dors who was apparently the British Marilyn Monroe) uses Mike to excite herself on a George Best football match where he scored seven times...

To me the grey eminence of this story is the pool:

There's something eery about swimming pools, full or empty. I have been very surprised that with this kind of setting the film remained mostly cheerful. You can't know what's going to happen. Deep End, like life do not give you clues of what is to come. I don't know if this feeling about pools is personnal, or shared, but so much water trapped in one place, altogether can lead to leisure or danger. Water is an electrical and spiritual conductor. In this film, it seem to have a power on its own. You never know what's really underneath water, it's sensual, it's magical, and it changes your perception of the world. Underwater everything seems dreamy...

I deeply enjoyed Deep End ( depend?), it's an absolute must see!

Heima, Sigur Rós by Dean DeBlois

2011-11-17T01:49:00.008+01:00

THE ENGLISH VERSION FOLLOWS THE FRENCH ONE!

Pour ceux qui ne connaissent pas la musique de Sigur Rós, je dirais ceci: pour moi il s'agit du son créé par des humains qui se rapproche le plus de l'apaisement que peu donner le silence, les bruits de la nature, de la mer, cette impression de calme qui monte en nous dès qu'on s'allonge sur une pelouse, une plage, qu'on marche dans un chemin de feuilles mortes, ou que l'on colle son dos à l'écorce d'un arbre.

Ecouter cette musique quand on est en contact avec la nature provoque un sentiment profond d'harmonie, une justification de l'existence au monde. Le murmure continu des pensées parasites s'interrompt et on est alors présent dans l'instant.

Heima veut dire à la maison en islandais et ce documentaire musical, est le film de la tournée libre, gratuite et improvisée que le groupe a mené afin de redonner à son pays un peu de ce qu'il avait trouvé en parcourant le monde.

Le message de Sigur Rós est écologique. Selon eux : il y a deux types d'êtres humains ceux qui pensent à long terme, et ceux qui veulent faire beaucoup d'argent très vite, sans se soucier des conséquences. Ainsi on ravage un arpent de nature sublime pour faire un barrage, qui permettra à des usines d'extraire l'aluminium dont personne n'a besoin!

Les images sont magiques, la musique est sublime, ce film est un moment de grâce, et lorsque Jón Þór Birgisson, le chanteur à la voix aérienne dit que quand l'harmonie est là, il cesse de penser et qu'il se met à flotter, il met le doigt sur ce que l'on ressent et tout à coup le fardeau du quotidien s'envole.

For those who never listened to the music of Sigur Rós, I would say this: to me it 's the sound created by humans that reach the most the appeasement that silence, the noises of mother nature, and the sound of the ocean can give; this impression of calm that fills us as soon as we lean on grass, on sea sand, when we walk on a path made of dead leaves, or when we stick our back against the bark of tree.

Listening to this music when one feels connected with nature provokes a deep feeling of harmony, a justification of our existence in the world. The continuous chat of parasite thoughts is interrupted, and then we're there, present to the moment.

Heima means Home in Icelandic and this musical documentary is the film of their free and improvised tour to ,sort of, give back a bit of what they found all around the world, to the land they come from.

Sigur Rós music is the ideal soundtrack to being in keeping with nature used here in one of my favourite films:

Their message is ecologic. According to them: there are two types of human beings: those who think on the long range, and those who lust for fast money quickly made without caring for the consequences on nature. Thus a sublime part of the Iceland was ransacked to create a dam, that provides electricity to extract an aluminium that no one would need if this money was used to recycle the one we already used!

The cinematography is magical, the music sublime, this film is a pure moment of grace, and when Jón Þór Birgisson, the singer with the ethereal voice says that when the music is there, he stops thinking and starts to float, he accurately describes what one feels: immediately the burden of everyday life flies away.

Nihon Chinbotsu/Sinking of Japan / Japan Sinks . 2006 by Shinji Higushi

2011-10-17T11:54:00.007+02:00

The English version is right after the video!!

Film de 2006 et grand succès au Japon, Sinking of Japan, sort actuellement en France en DVD et Blu-ray distribués par Zylo.

Le titre du film résume son propos: Sinking of Japan: la submersion du Japon, et est dans l'actualité de nos pires craintes quelques mois après la catastrophe géologique et nucléaire de Fukushima.

Le thème de la destruction du Japon ou du monde en général est pourtant très commun dans la littérature pop japonaise, les mangas, et les animés: pensez à Survivant, et toutes les autres fictions post apocalyptiques.

Il s'agit ici de la seconde adaptation du livre des années 70 La Submersion du Japon de Sakyo Komatsu, le réalisateur est ici Shinji Higushi, et on retrouve Etsushi Toyokawa qui jouait dans la saga 20^th century boys, le rôle d'Otcho et ici le rôle du scientifique génial.

Le film raconte comment après un tremblement de terre important les scientifiques japonais et américain prennent conscience que le japon est voué à disparaître.

Le film est traité de plusieurs points de vue: celui d'une sauveteuse, d'une famille ordinaire de tokyoïtes, d'une femme politique, d'un pilote de sous-marin, et d'un scientifique. Ceci nous permet de voir tous les aspects de la gestion de la catastrophe, ainsi que la naissance d'une histoire d'amour entre la sauveteuse et le pilote de sous-marin.

Contrairement aux films de même modèles américains, ici il ne s'agit pas de démonstration de force, et c'est plutôt l'intelligence qui permet de vaincre la bataille.

Le traitement est assez beau et le film globalement émouvant. Son originalité repose pour moi sur ses explications géologiques et scientifiques de la catastrophe, c'est un film catastrophe géologique (mes connaissances en géologie sont si minimes qu'elle ne me permettent pas d'approuver ou de réfuter ce qui est affirmé).

Ce qui m'a touché dans ce film est tout ce qui y est purement japonnais, comme le premier ministre qui déclare qu'après avoir demandé à la communauté scientifique quelles solutions adopter la réponse avait été hors du commun mais typiquement japonaises: il valait mieux ne rien faire et sombrer avec l'ile ( comme les atlantes?)!

J'ai aussi beaucoup aimé la scène à Kyoto où l'on emballe les chefs d'oeuvre des temples pour les expédier aux USA pendant que les moines prient. Que sauver les personnes, ou la culture?

Ce film catastrophe se donne le temps d'être réflexif et parfois contemplatif, au lieu d'être une millième bombe de testostérone dont personne n'a besoin.

Pas de bonus sur le DVD, ni de choix des langues, c'est français ou rien! Voici un produit qui frustrera nos amis otakus (je trouve que de ne pas mettre la langue original d'un film en 2011 est über ringard, et moi qui ne supporte pas les films doublés j'ai fait preuve de beaucoup de bonne volonté en regardant cette version), mais une partie des bénéfices sera reversée au Japon.

Ironie cruelle de ce film le seul lieu qui est préservé dans cette histoire est la province de Fukushima.

Retrouvez sur Cinetrafic d'autres films de la catégorie Film science fiction ou trouvez un bonFilm catastrophe à voir.

The title tells the story, and if this film was made in 2006, its release in DVD a few month after the geologic and nuclear catastrophe of Fukushima seems like an actualisation of our worst nightmares .

In truth the theme of the destruction of Japan or of the world is really common in Japanese pop literature, mangas and animés: think about Survivor and all the other post apocalyptical stories.

Here we are in presence of the second adaptation of the seventies book written by Sakyo Komatsu Japan Sinks. The filmmaker, this time is Shinji Higushi, and in this opus we meet again Etsushi Toyokawa who played the part of Otcho in the saga 20^th Century Boys.

After a violent earthquake, Japanese and American scientists become aware that Japan is doomed to sink in the ocean.

The story is treated from different points of view: the one of a female rescuer, of an ordinary Tokyoite family, of a submarine pilot, of a politician, and of a scientist. (they all happen to be connected). This gives us the opportunity to witness all the aspects of how the situation is handled, and the birth of a love story between the woman rescuer and the submarine pilot.

To oppose it with its American models, here the film is more a cleverness and sensitivity demonstration than a strength one.

The treatment of this movie is rather beautiful and moving. Its originality rests, in my opinion, upon the geological and scientific explanations of the phenomena and means (my knowledge in geology is too microscopic for me to be able to tell you if those explanations are plausible or not) which give it a pedagogic drive.

I was touched in this film by what is typically Japanese, like the prime minister who after asking to the scientists, philosophers, economists... in short the experts what could be done, came back with a very original answer which seemed right to him (even though kind of fucked up) that nothing should be done, and that Japanese people should probably vanish with their island (like the atlantes?).

I also loved very much the scene where the treasures of the temples of Kyoto are packed to be sent in USA while the monks kept praying. What should we save, the culture or the people?

This catastrophe movie takes the time to be reflexive and sometimes contemplative, instead of being another testosterone bomb that no one beside retarded machos need.

Cruel irony of this film, the only place not touched by the earthquakes is Fukushima.

REEL INJUN de Neil Diamond

2011-10-13T17:15:00.010+02:00

ENGLISH VERSION FOLLOWS THE FRENCH ONE!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!

Diffusion dans le cadre du festival Ciné Alter'Natif qui a eut lieu à Nantes au cinéma Le Concorde et à Paris au cinéma La Clef.

Reel Injun est un jeu de mot entre l'expression « reel in » qui signifie ramener et Injun qui veut dire peau rouge et est l'équivalent de l'expression raciste pour les noirs américains de « nigger ». Le pitch du film est donc l'histoire de la réappropriation par les natifs des clichés qu'Hollywood a crée sur eux.

Il s'agit aussi du parcours personnel de Neil Diamond qui enfant jouait aux cowboys sans se rendre compte qu'il était un « Indien ».

Le film est à la fois construit sur le mode du road movie :Neil Diamond s'est élancé à travers l'Amérique du nord à bord d'un rez car ( voiture stéréotype de l'indien qui ne fonctionne qu'une fois bricolée); et l'histoire du cinéma. Donc il est construit à la fois sur le mode géographique et sur le mode historique, présentant à travers la chronologie du cinéma les différents rôles que l'Indien y a tenu, et la façon dont dans la vie réelle elle a influencé les rapports entre WASP et natifs.

J'écris l' « Indien » à escient car c'est bien ainsi qu'Hollywood l'a crée, ce bon indien qui ne peut être que mort en ne le réduisant qu'à une culture faite de bandeaux ( qui étaient là pour maintenir en place les perruques des acteurs blancs) , d'arcs, de flèches et de plumes.

C'est surtout avec humour, finesse et intelligence que Neil Diamond va nous emmener dans son parcours. Pas question pour lui de se focaliser sur les luttes, ni d'ailleurs de les oublier. Il cherche à rassembler plutôt qu'à diviser car la réalité de l'Indien d'Hollywood ce sont aussi ces blancs qui ont rêvés d'être indiens comme Iron Eye Cody qui était en réalité d'origine italienne ou Buffalo child Longlance qui était à la fois natif, noir et blanc, et qui fut détruit socialement lorsqu'on découvrit qu'il avait du sang noir !

Pour résumer la situation des natifs dans le cinéma on peut dire que l'Indien a une mauvaise image mais que tout le monde veut être indien.

Je ne m'étendrais pas sur les informations nombreuses et passionnantes que fait circuler ce film car il faut que vous le voyiez.

Deux choses m'ont particulièrement marquées, d'abord d'apprendre que l' « Indien » avant d'être l'ennemi du cowboy ou son faire valoir a été le héros de nombreux films muets qui dans l'esprit de Nanouk l'Eskimau essayaient de capter ce qu'avait été la vie des autochtones avant le contact avec l'homme européen. J'ai particulièrement été intéressée par l'évocation du film de 1930 The Silent Enemy qui semble être le premier chef d'oeuvre du cinéma amérindien. L'ennemi silencieux étant la Faim.

Ensuite ce qui m'a marquée dans ce film c'est la découverte de l'humour indien à travers les blagues des stand up artists comme Charlie Hill et, et du héros Billy Jack sorte de Bruce Lee autochtone qui démontait les clichés à coups de poings et de pieds façon kung fu.

Un documentaire est là pour nous ouvrir à des connaissances que nous ignorions, il a donc été très étrange d'apprendre que le film était diffusé pour la première fois en France dans sa version intégrale de 88 minutes, alors qu'Arte le diffuse régulièrement en 55 minutes et en version française, la version française étant nettoyée de 33 minutes d'humour (WTF?).

À la question « Quelles sont les actions à entreprendre pour désamorcer les stéréotypes vis à vis des indiens au cinéma? » le producteur Chad Burris qui était présent à la séance a répondu que c'était en écrivant des histoires particulières individuelles et donc universelles par leur thème, et non pas en se focalisant sur l'aspect politique des luttes qui n'intéressent qu'une poignée de personnes dans le monde. John Trudell a clairement résumé la situation: lorsque les européens sont arrivés les natifs se sont présentés à eux en leur disant «nous sommes les êtres humains » , cette humanité leur a été dénié depuis 1492 par des génocides, et des spoliations continues. Le message de ce film est « reconnaissez nous en tant qu'êtres humains »!

Je vous rappelle que samedi 15 octobre est la journée internationale de solidarité avec les peuples indiens d'Amérique à ce titre des rencontres sont organisées à Montreuil (93)

Reel Injun, on the trail of the Hollywood Indian, is also a personal film for Neil Diamond who as a child used to play being a cowboy without realizing that he was in real life an Indian. The distance between the Hollywood projections ( here in the psychological sense) of what Indians are and the reality made him want to explore how this gap came to exist, and how American Indians deal and dealt with it.

This opus is altogether built as a road movie ( Diamond crosses all North America in a Rez Car) and as a documentary on the History of cinema. So it's made geographically and historically. The Hollywood Indian (I use capitals because it's a concept) has not always been the same in Hollywood, he has been: the noble savage, the enemy, the silent indian, the drunk indian... Out of the psychological types, Hollywood also created a look that wasn't the original native one: band head, the feathers, mostly for reasons of practicality ( the band head was able to keep wigs in places).

It's with humor, finesse and cleverness that Neil Diamond will take us on his tracking. He won't focus on the struggles, but won't forget them either. His goal is to gather not divide. The world is not Red and White! Truth is that many of the Hollywood Indians, those so called native stars, were white people who dreamt of being indians like Iron Eye Cody who became an Icon but was born in Sicily, or people who found their balance in the choice of this identity like it was the case for Buffalo Child Longlance who was one third native, one third white and one third black. When people learnt about this black third he was socially destroyed.

This film is very informative, and you have to see it!

To synthesize the situation of natives in Hollywood one of the interviewees (Chris Eyre I think) said that Indians have a bad image but everyone wants to be them.

Two things particularly excited my curiosity. First learning that in films the « Indian » before being the enemy of the cowboy or his sidekick used to be the heroes, the protagonist of many silent movies made in the spirit of Nanook of the North. Films that tried to capture what had been the life of the autochthonous before the contact. I've been particularly interested by the evocation of the 1930's film The Silent Enemy which seem to be the first American Indian master piece. This silent enemy being starvation!

Then what I enjoyed discovering was the Indian Humor. Discovering stand up artists like Charlie Hill, or the hero Billy Jack a sort indigene Bruce Lee, who destroyed clichés with fists and feets, kung fu way!

Do you know that in France Reel Injun is regularly seen on TV on the channel Arte, but without those 33 minutes of humor! Apparently European distributors fear that French people might not get that it's funny (WTF?). What is the purpose of a documentary if not opening our minds?

This film was shown in the context of the festival ciné atler'natif which purpose is to rise the awareness of American Indian cinema, so at the end of the screening the producer Chad Burris answered some of our questions. To the question « what actions could defuse stereotypes in cinema ( I have to add that the person who asked the question also added that usually in Hollywood everyone who's not American is treated as a cliché ( he specified French and Arabian people ( we don't wear berets and we don't live in the fifties, and they're not terrorists)? ». To that Chad Burris answered cleverly that it is in writing individual stories with universal themes (like love, remember the outrageously beautiful The Fast Runner) instead of focusing on the political side ( which only interest a fistful of person ( I am one of them by the way)).

John Trudell clearly synthesized the situation: when Europeans arrived on the American continent natives presented themselves this way : « we are the human beings », and this humanity was denied to them from 1492 by genocides and spoliation through now ( though the Valladolid Debate stated in 1551 that American Indians were human beings and thus couldn't be used as slaves (that was the good part of this debate, the bad was that black people weren't... no comment)). The message of this film is simple as that : “we are human being, not indigenous, indians, or natives: human beings!”

Sélèction Wapikoni Mobile et courts métrages navajos

2011-10-07T14:20:00.008+02:00

Je vous avais annoncé dans le blog précèdent que j'allais couvrir les séances parisiennes du festival ciné alter'natif qui ont lieu au cinéma La Clef (34 avenue Daubenton, M°censier-Daubenton) la première séance vient d'avoir lieue et je me dépêche de publier cet article afin de vous inciter à venir lundi 10 octobre à 20H.

Le festival alter'natif existe grâce à l'association de la plume à l'écran qui essaie de diffuser et de faire connaître le cinéma amérindien. La découverte en 2003 du formidable film autochtone Atarnarjuat a été ma motivation a assister à ce festival, pourquoi? parce que j'ai envie d'entendre les voix des autochtones au cinéma, et que les documentaires ou les livres que l'on peut lire qui les décrivent comme des civilisations et des ethnies en voie de disparition me dépriment, ce que je veux c'est les voir s'exprimer directement, je veux, égoïstement peut-être, qu'à moi aussi ils transmettent leur culture.

Hier soir à Paris, c'était une séance très riche et c'est extrêmement enthousiaste que je vous en fait le résumé subjectif.

Donc à 18H30 était projetée la sélection Wapikoni. Une série de court métrage magnifiques et passionnants qui existent grâce à la corporation Wapikoni Mobile. Wapikoni était une indienne très investie dans la communauté innu au Québec, elle a rencontré Manon Barbeau qui a été très affectée par sa présence puis par sa mort et qui donc nommée sa corporation en hommage à cette grande amérindienne. Wapikoni mobile circule avec deux camping cars dans les communauté indiennes du Québec et aide les jeunes de 15 à 35 ans à faire les films qu'ils veulent transmettre. Hélas Service Canada a cette année coupé 50000 dollars canadien de subvention, ce qui a influé sur la qualité des supports mais pas la qualité de l'expression. Il s'agit toujours d'un non désir pour les gouvernements d'aider les premières nations à s'exprimer et a continuer d'exister aux yeux du monde.

Dans chacun de ces films on ressent à la fois une force, une nécessité de s'exprimer, une colère, et une frustration énorme. La plupart des courts métrages utilisent la voix off, et l'expression est très souvent poétique. Les films reflètent à la fois la réalité contemporaine des innus, leur désir de ne pas perdre les liens avec le passé, et le désir de s'en sortir. Tous m'ont touchés, qu'il soient documentaires ou rêvés, ils était tous très poétique et très incarnés. Leur qualités artistiques sont si grandes qu'ils ont déjà décroché 46 prix dans des festivals de court-métrage du monde entier.

Si vous voulez en savoir plus et soutenir Wapikoni Mobile, cliquez ici, Wapikoni mobile a une chaine youtube si vous désirez vous rendre compte par vous même de la qualité de leurs films.

Ensuite petite présentation du livre Quand s'élèvent nos voix de Sylvie Brieu, journaliste au National Geographic. Et ce sont les yeux écarquillé que j'écoute l'histoire de ses rencontres avec les peuples autochtones d'Amérique du Sud qui avec intelligence ont appris à communiquer et à manier la caméra pour que leurs voix se fassent entendre. Tous ceux qui ont pu se procurer une copie du livre sur place (dont moi) l'ont acheté... je vous en dirais plus quand je l'aurais lu ( enfin sur les parties concernant le cinéma et l'audiovisuel)

Troisième partie, visionnage de 4 court métrages Navajo en présence du producteur Chad Burris.

J'ai surtout aimé le premier Shimasani, de Blackhorse Lowe, 2009 et le dernier Shimasani Grandma de Deidra Peaches, 2008. Le premier racontait l'histoire d'une jeune femme navajo qui garde les moutons toute la journée pendant que sa soeur va à l'école. Sa soeur déteste l'école où on la force à parler en anglais, et elle lui laisse un livre, où la jeune femme voit des photos de l'Inde, du Japon, et a envie de sortir de sa boite et de découvrir le monde, mais sa grand-mère qui a peur de se retrouver seule refuse qu'elle aille à l'école... Elle ne laissera pas cette décision être prise par quelqu'un d'autre et partira.

J'ai beaucoup aimé l'histoire de sa création: le réalisateur Larry Blackhorse Low, avait reçu des aides de Sundance ( seule institution à aider les réalisateurs amérindiens à créer des films) pour tourner un long métrage, mais ce film qu'il voulait faire traitait des satanistes des années 80. Il a commencé à lui arriver tout un tas de problèmes, et il s'est adressé au conseil des anciens qui lui ont déconseillé de poursuivre ce projet, et d'essayer d'avancer dans la voie de la beauté ( fans de Tony Hillerman, j'ai bien l'impression que ce qu'il décrit dans ses bouquins est la réalité de la vie Navajo) et donc il a décidé de raconter cette histoire qui est celle de sa grand-mère.

Et pour enchainer sur la thématique de Lundi 10 octobre , un petit reportage montrait l'effet qu'a eu sur les jeunes amérindiens le fait qu'on ne choisisse pas un réel natif (ayant grandi avec la culture) pour jouer dans Twilight...

Donc lundi le thème sera l'image de l'indien dans le cinéma classique et contemporain, et sa perception par les communauté avec le film en avant première Indiens et stéréotypes

Vous pouvez voir en V.O.D où acheter les DVD filmé par des amérindiens sur les sites suivants (j'ai demandé à Chad Burris)

http://www.iaia.edu/

http://www.nativenetworks.si.edu/

Je pense que dans les prochains mois je vais essayer d'en voir un maximum pour vous en parler.

Films de l'Amérique indienne Festival ciné alternatif

2011-09-27T12:38:00.006+02:00

Petit blog pour vous signaler ce festival original à la fois sur Paris et sur Nantes

Les indiens, les amérindiens, sont depuis pratiquement les débuts du cinéma dans les Western, mais l'histoire est faite par les gagnants, et nous n'avons par encore vu les films où ils expriment leur point de vue. C'est pour cela que je vais couvrir pour vous la partie parisienne du festival alter'Natif. Un festival où les ethnies amérindiennes prennent la parole .J'ai personnellement très hâte d'y être!

FESTIVAL CINE ALTER'NATIF

Films de l'Amérique indienne

3e édition

Du 30 septembre au 4 octobre 2011 à Nantes

Les 6 et 10 octobre 2011 à Paris

Le Festival Ciné Alter'Natif, premier festival européen de films uniquement réalisés par des Amérindiens, invite à voyager au cœur de l'Amérique indienne, à travers une sélection de longs et courts-métrages, de fictions et de documentaires. L'association De La Plume à l’Écran permet ainsi de rencontrer des réalisateurs et producteurs amérindiens, et de découvrir un cinéma émouvant et percutant, trop peu diffusé en France.

Le Festival Ciné Alter'Natif est un rendez-vous annuel qui présente la richesse et la diversité du cinéma amérindien, représentatif des réalités, de l'histoire et des visions du monde des autochtones des trois Amériques.

=> 9 séances, à Nantes et à Paris, proposant plus d'une vingtaine de films inédits ou très peu diffusés, réalisés par des Amérindiens

=> 4 pays représentés : États-Unis, Canada, Brésil, Guatemala

=> 4 invités : Chad Burris (Chickasaw, Oklahoma, USA), Catherine Boivin (Atikamekw - Québec, Canada), Henry Red Cloud (Lakota, Dakota du Sud – USA), Grégory Lassalle (Collectif Guatemala-France)

=> Un Prix Jeunesse remis par un jury d'étudiants en présence d'un représentant de la mairie de N

Des événements « off » à Nantes et à Paris : soirée de soutien à l'association De La Plume à l’Écran et aux projets environnementaux lakota (USA) le 1er octobre à Nantes, rencontres-signatures de publications récentes sur les Amérindiens les 24 septembre et 6 octobre à Paris.

Info Pratiques

Du 30 septembre au 4 octobre 2011 à Nantes

Cinéma le Concorde : 79 Bd de l’Égalité (tram 1 Égalité / bus 24 et 70 Convention)

Médiathèque Jacques Demy (tram 1 – Médiathèque)

B17, 17 rue Paul Bellamy (tram 2 – 50 Otages)

Les 6 et 10 octobre 2011 à Paris

Cinéma La Clef : 34 rue Daubenton (M° 7 et Bus 47 Censier Daubenton)

Plus d'information et programmation détaillée sur : www.delaplumealecran.org

Les soeurs de Gion/ Sisters of Gion (1936)

2011-09-21T14:43:00.004+02:00

ENGLISH VERSION FOLLOWS THE FRENCH ONE!!

Hier soir c'était la rentrée du ciné-club Jean Douchet et cette année c'est Mizoguchi qui est à l'honneur, ça tombe bien j'ai vu très peu de ses films et j'adore le cinéma japonais.

Le cycle commence donc avec Les Soeurs de Gion.

Ce que j'aime dans ce ciné-club c'est que l'état de la copie n'empêche pas la diffusion, et nous avons été prévenus qu'il pourrait y avoir des accidents, car la copie est très usée, je pense que c'est celle que j'avais vu lorsque j'étais étudiante vu que la seule chose dont je me souviens de ce visionnage était son triste état. Appel à qui voudra l'entendre IL FAUT RESTAURER LES SOEURS DE GION

Je ne sais pas comment j'avais fait pour oublier ce film qui est extraordinaire d'un bout à l'autre, d'une construction parfaite, de dialogues cinglants et brillants, et d'acteurs absolument magnifiques.

Comme un spectateur l'a brillamment dit ce film est balzacien dans le sens où il explore les rapports et intrications entre l'argent et les sentiments. Il met en scène deux femmes, deux geishas, deux soeurs, qui agissent de manière très différentes envers les hommes: l'une est loyale, soumise à la tradition et ne porte que des kimonos, l'autre manipule pour obtenir ce dont elle a besoin pour s'en sortir ( après tout une geisha vit de l'argent que lui donne les hommes, s'ils croient qu'elle peut tomber amoureuse ils n'ont pas compris la règle du jeu) elle se revendique moderne et éduquée, elle alterne le port du kimono et celui du vêtement occidental.

L'une des soeurs serait donc la thèse et l'autre l'antithèse, la synthèse serait que de toutes façons ni l'une ni l'autre n'a le dernier mot, c'est la société, cette société des hommes qui décide pour elles.

Mais ce film n'est pas fataliste, une lutte est engagée.

Jean Douchet a bien insisté sur le fait que cet opus par la violence et la force de ses thèses n'était pas passé inaperçu à l'époque (1936) même à l'internationale.

Les dialogues sont purement jouissifs et portés par des acteurs au sommet de leur art. Durant la scène où la jeune soeur, Omacha manipule le patron du commis du magasin de kimonos (à qui elle avait promis l'amour contre un kimono) le menant avec intelligence et esprit, d'ennemi qu'il était à protecteur, j'ai dans ma tête hurlé « Omocha tu es mon héros! »

Il n'y a absolument aucunes scories dans ce film, il fuse sur un rythme endiablé qui ne nous laisse pas une seconde pour nous endormir, il est monté au fouet, sec et gracieux, lorsqu'une chose est dite ou faite on passe à la suite ( comme l'a intelligemment fait remarquer mon amie Céline).

Maintenant venons en au grand art. Jean Douchet a dit que pour apprendre à faire des films il faut regarder ceux de kenji Mizoguchi (même si on y arrivera pas ( il a ajouté) hé hé), j'approuve! Godard dit depuis quelques années que plus personne ne fait du cinéma, qu'on continue à faire des films mais pas du cinéma et lorsqu'on voit les classiques on s'en rend bien compte: désormais on ne fait, généralement, que raconter des histoires, filmer un scénario le plus efficacement possible - Les réalisateurs n'utilisent plus la construction des plans, les travellings... pour raconter autre chose que ce que les dialogues explicitent, bref on voit très rarement des films dont l'image complètent ou complexifie le texte. Bien entendu c'est le cas avec Mizoguchi et son (par exemple) magnifique plan séquence travelling latéral du début, ses oppositions entre la lumière et l'obscurité, ses rares gros plans...

Il filme de l'extérieur comme s'il s'agissait d'une réalité préexistante qu'il laisse vivre devant la caméra, nous mettant dans la posture d'un témoin capable d'esprit critique.

Voici un film beau esthétiquement, puissant dans ses thèses, gracieux naturellement, un chef d'oeuvre en état de grâce!

Le cycle vient de commencer, je vous encourage à venir!

Last night was the beginning of a new cycle of the Jean Douchet Ciné-Club at the cinema du Panthéon, and this year we'll study Kenji Mizoguchi's filmography. It's an excellent thing because I don't know his work that well, and adore Japanese cinema.

The cycle begins with Sisters of the Gion

I don't know how I did to forget this film which is extraordinary, of perfect construction, with witty and scathing dialogues, and amazing actors.

As a spectator brilliantly remarked this film is balzacian ( Honoré de Balzac) in the sense that it explores the relationships and intrications between money and feelings. Of course the Japan of the first part of the twentieth century was very interested in the nineteenth century western literature, the influence of Dostoevsky is also very palpable.

Our two characters, are two women, two sisters, two geishas, but they have very different philosophies about their job and condition. One is loyal, submissive to the tradition and men's expectations, she only wears kimonos, the other one, the youngest manipulates to obtain what she needs to escape poverty ( after all a geisha lives from her clients 'money, and if they believe she can fall in love with them, they're stupid and didn't understand the rules of the game), she's modern, educated and wears alternatively kimonos and western clothes.

This film could be reduced to an essay about the feminine condition in the thirties Japan, one sister would be the thesis and the other the antithesis, Society, men society would make the synthesis, because the voice of women had anyway no value. And that is brilliant.

This film isn't fatalist, it shows only the beginning of a struggle that Mizoguchi will pursue to express in his filmography. Jean Douchet insisted on the fact that this film by the strength and the violence of its thesis was noticed, even internationally when it was released in 1936.

The dialogues are pure joy, and they are lifted by actors at the top of their art. During the scene where the younger sister manipulates the boss of the shop assistant (to whom she promised love for a kimono), she became my hero, driving him with cleverness and wit, from enemy to protector! Bravo

The timing is perfect, impossible to get bored during this film, nothing is added, and once the thing ( you can never guess what it will be) is said, the scene is over, and another begins with no fading, no softening Mizoguchi edits with a graceful whip.

Jean Douchet said that to learn how to make films one just have to watch and his lessons from Mizoguchi's master-pieces ( but one will never succeed niark niark, Douchet is very witty and playful), and I approve.

Jean Luc Godard has been saying for a few years now that cinema is dead that people keep making films but they don't make cinema anymore. And seeing classics this statement becomes obvious, now people mainly shoot the script, and the way it is filmed doesn't add anything to what is said by the actors. That is so not the case with Mizoguchi, you have no idea how graceful this film is, it begins with a sequence-shot in lateral travelling, and the camera at the height of people keep following them without intruding as if it was only a witness ( with critical sense, Mizoguchi doesn't insult our intelligence) and life take place in front of him/her. This is a film aesthetically beautiful, powerful, naturally graceful, a master piece in a state of grace.

The cycle only began and I can't wait to see more!

Les bien aimés / The Beloved

2011-08-30T22:36:00.008+02:00

ENGLISH VERSION FOLLOWS THE FRENCH ONE

Je ne me trompe jamais quand je sais que je vais aimer un film, alors cet article est une dédicace aux deux vieilles dames du cinéma Le Dragon à la Rochelle qui ont tentées d'empoisonner mon plaisir en restant coincées dans le sas et en disant à tout le monde que le film était décevant: Mesdames nous n'avons pas du tout les mêmes goûts!

les bien-aimés raconte le destin d'une mère et d'une fille et de leurs amours. La mère Madeleine ( jouée par Deneuve et Sagner) voit régulièrement redébouler dans sa vie Jaromil avec lequel elle vit une passion charnelle, intermittente et toujours intacte. la fille Véra (Chiara Mastroianni, sublime) croit et se donne entièrement à un amour impossible et sublimé. Christophe Honoré se permet un romanesque auquel notre époque pratique et pragmatique a pratiquement renoncé. Il nous engouffre dans l'émotion et nous permet de vivre le film à fond dans la joie et la souffrance.

En tant que truffaldienne obsessionnelle ( bien que je n'ai écris qu'un seul article sur un de ses films dans ce blog), je retrouve bien entendu la boutique de chaussures de Baisers Volés, mais cette fois l'héroïne est une femme, comme si Honoré avait été de curieux de savoir d'où venaient les petites prostituées d'Antoine Doinel. Antoine devait retrouver la paire d'escarpin, Madeleine les a en mains et les fait disparaître... Ils se font échos, ils pourraient être dans la même histoire. Véra a le lyrisme d'Adèle H, et les jambes fuselées de L'Homme qui aimait les femmes parcourent les rues de Paris, de Prague et de Reims...

Deneuve bien sûr... Mais Deneuve n'est plus une héroïne dramatique, elle devient depuis quelques films la touche d'humour et de grâce du cinéma français... elle est merveilleusement drôle et pourtant touchante. L'histoire de Véra ressemble à nos vie, à part bien sûre que comme toutes les héroïnes tragiques, elle va jusqu'au bout de son destin... ah Marylin avait raison de chanter « the French are glad to die for love... », mais Londres, la rue Stephenson, le 9/11... si loin, si proche, d'une géographie intime et tellement contemporaine.

Les bien-aimés m'a brisé le coeur, ce film est sublime, il offre sans jugement et sans distanciation une peinture précise de la vibration des sentiments... une concentration des couleurs amères, sensuelles et confuses que peuvent prendre les raisons du coeur et du corps. Ce film et ses mélodies se sont glissés sous ma peau.

I am never wrong when I know that I am going to love a film, so this article is dedicated to the two old ladies who stayed after the film to inform the newcomers that they had been very disappointed with this opus: Ladies we don't share the same tastes!

The Beloved paints the destinies of a mother, her daughter and their love stories. The mum, Madeleine(played by Ludivine Sagnier and Catherine Deneuve) regularly sees her life perturbed by the return of her first husband Jaromil (Radivoje Bukvic and Milos Forman (both wonderful)) with whom she lives a carnal, intermittent and always pristine passion. Her Daughter Vera ( Chiara Mastroianni, sublime) believes and fully gives herself in an impossible and sublimated love. Christophe Honoré allows a quality of romanticism which in our practical and pragmatic era have almost deserted our fictions. He submerges us in emotions and allows us to be fulfilled in grace, joy and pain by this opus.

As a Truffaut obsessional admirer (though I only wrote about one of his films in this blog), I, of course, found back the shoes boutique of Stolen Kisses, but this time, the protagonist is a woman, as if Honoré had been curious about the life stories of the little prostitutes and shoes sellers that Antoine Doinel met. Remember, Antoine was supposed to find a pair of shoes, Madeleine had them and made them disappear from the shop... they make echo, they could be in the same story. Vera has the lyricism of Adèle H, and there are of course the beautiful legs that obsessed The Man Who Loved Women...

Deneuve of course... But Deneuve is not anymore tragic, she has been becoming for a few films now the graceful and witty touch of French cinema.. She is wonderfully funny and thus extremely touching. The story of Vera looks like our lives (us the thirty something of year 2011), apart of course from the fact that like every tragic heroin she goes where her destiny leads her... Marylin was so right when she sung « the French are glad to die for love... » but London, rue Stephenson, 9/11... So close, so faraway of an intimate and contemporaneous geography.

The beloved broke my heart, this film is sublime, it offers without any judgement and any distanciation a precise painting of the vibration of feelings... a concentration of the sensual , confused and bitter colours that can take the reasons of heart and body. This film and its melodies have slipped under my skin. Do not miss it!

The Seagull / La Mouette 1968 Sidney Lumet

2011-07-04T15:29:00.005+02:00

La version française suit

When I was studying literature at Uni, we worked on Chekhov short stories. I had to do an essay on one of them, and my grade was catastrophic. The teacher took me apart. She told me that my analysis of the character was very complex and intelligent, but that it was only one of the three levels of the analysis, and that I had to try and see not only who the character was, but also how it was written, and what the author meant to express. I didn't see or didn't want to see the big picture.

And until very recently it has always been my attitude towards Chekhov writings. Touched by the characters I never went further, I was probably scared to lose what I had gained. So I did not really understood his plays. I was an actress so the big picture did not really matter, what mattered was my connections with Nina, Sonia...

Things changed last year, when I saw Lev Dodine's direction of Uncle Vania ( in Russian) I understood that characters can say that they're sad when they look gay, or that they're boring when we're fascinated by them. A few weeks ago I watched a documentary on the conductor Valery Gergiev who said something very basic that I never got before, that he had to play all the instruments to conduct a symphony, and then I understood that as an actress I had always only focused, while reading a play, on the part I was interested in. I am not an actress anymore, I am a director now, so I have to understand the whole plays.

The Seagull,

I had four reasons to see this film: Simone Signoret plays Arkadina, James Mason, Trigorin, Vanessa Redgrave, Nina, the fourth is of course that The Seagull is my favourite play.

So I will only make a few reflections. Chekhov is not cinematic, because the action is not in the play, he offers us what comes before, and what happened after. A play is talkative and has to be, a film could be silent, things that we have to express and explain in so many words can be shown in one glare. So we have the foreplay, the after-play, and the reflection. This is what makes the modernity of Chekhov, so a film made from one of his works should question that, and find ways to have a point of view on the theatricality of a play and the way to make it cinematic.

For those who don't know the play:

A group of people is spending time in the countryside, some are stuck there, some are in vacation. Arkadina ( a famous actress) and her love interest Trigorin (a famous writer) are only there for a few weeks. Arkadina's son Kostantin presents a play to this audience, he is in love with Nina who's his actress. Nina's attracted by the famous writer, and leaves for Moscow when he does, leaving Kostia abandoned and unhappy.

Two years later, the same characters are reunited, Nina's love story with Trigorin was a failure, she's mainly destroyed as the seagull Kostia killed in anger, two years ago.

What is this story about?

The Seagull is constructed on love triangles, or should I say love vicious circles, vicious loops, because these failing stories are like obsessive loops in which the characters are prisoners until they die, like they are prisoners of the countryside they can not escape. Arkadina and Trigorin can live happy lives because they can move and escape, they can change of setting and experiment the relativity of life experiences but not Kostia, Macha and all of the other. Macha loves Kostia who loves Nina who loves Trigorin who loves himself...

Trigorin and Kostia are Chekhov, and that's where the humour of this play lays, Anton can mock himself throughTrigorin, who is sensitive, and does not, in his own speech, display megalomania, but does in his acts. When he meets Nina, he tells her the story he might write about this girl from the countryside who is free like a seagull, and a man, passing by, destroys her because he had nothing better to do. He is foreseeing the future, but though he knew what might happen, he plunges in the story without wondering...

The actors are amazing. Simone Signoret is the only non British actress, and you know I love her, but it is slightly strange that her character is having a point of view on the French relation between women and authors, pausing as a Russian with such a loud French accent...

I would say that it is where the film is clumsy. If conventions work on stage they only do on film when they're extremely clear (like in Lars Von Trier's Dogville for example), but here a relative naturalism is contradicted without any apparent reason or concept by the context. Kostia's play is supposed to be performed at night or twilight, but it's filmed in broad daylight...

It's important to see this film because it's wonderfully performed but as a filmic object it has absolutely no interest.

Quand j'étais étudiante à l'université, j'ai étudié les nouvelles de Tchekhov. L'analyse de l'une d'elle qui m'avait pourtant énormément touchée m'avait valu une note catastrophique. Mon analyse du personnage était très fine et intelligente, mais je n'en décollais pas, que je n'analysais pas le style de l'auteur et pire que tout que je ne cherchais pas à voir ce qu'il voulait nous dire en racontant cette histoire.

Je n'avais aucun recul, et jusqu'à très récemment c'était ma façon de percevoir Tchekhov.

Ses personnages me touchaient et je les comprenais de toute mon âme, sans jamais aller plus loin, j'avais probablement peur de perdre ce que j'avais gagné. Donc en réalité je ne comprenais pas ces pièces, engluée que j'étais comme une mouette dans du goudron dans les émotions.

Les choses ont changées lorsque j'ai vu l'an dernier à la MC93 la mise en scène ( en russe) d'Oncle Vania par Lev Dodine, là j'ai compris que parfois un personnage pouvait se trouvait ennuyeux en étant absolument fascinant, et que ça n'est pas parce qu'il se percevait de telle ou telle façon qu'il était ainsi ( comme nous dans la vie, d'ailleurs). Enfin j'ai vu récemment sur Arte un docu sur Valery Gergiev, le chef d'orchestre russe qui m'a permis de comprendre l'essence de la mise en scène: il disait qu'en tant que chef d'orchestre travaillant sur une symphonie, il devait connaitre la partition de tous les musiciens, comme un metteur en scène doit comprendre toute la pièce et jouer tous les personnages. Maintenant que je suis metteuse en scène, je comprends cela.

La Mouette

J'avais quatre raisons de voir ce film: Simone Signoret y joue Arkadina, James Mason, Trigorine, Vanessa Redgrave, Nina et La Mouette est ma pièce de théâtre préférée.

Je vais juste faire quelques réflexions: d'abord malgré toutes ses qualités scéniques et littéraires Tchekhov n'est pas cinégénique. Pourquoi? Parce que l'action n'est pas dans la pièce. Il nous présente l'avant et l'après. Une pièce se doit d'être bavarde, un film peut être silencieux, ce que 12 pages ont parfois du mal à exprimer, un seul regard peu le rendre clair. Donc avec Tchekhov nous avons les préliminaires, la conclusion et la réflexion, mais pas l'action, c'est normal, l'action n'est pas bavarde, mais un film qui adapte pour l'écran un texte de théâtre doit se poser la question de la théâtralité et de la ciné génie, sinon il n'apporte rien d'autre au monde qu'une chance de se dédouaner de la lecture.

Pour ceux qui ne connaissent pas la pièce:

Un groupe de personnes passe du temps à la campagne, certains en sont les prisonniers, d'autres sont en vacances. Arkadina ( une actrice célèbre) et son amant Trigorine ( un auteur célèbre) ne sont que de passage. Le fils d'Arkadina, Konstantin présente une pièce qu'il a écrite et dans laquelle joue son amoureuse, Nina. Mais Nina est attirée par Trigorine et le suit à Moscou pour entreprendre une carrière de comédienne, délaissant Kostia abandonné et malheureux.

Deux ans plus tard, les personnages sont de nouveau réunis à la campagne, l'histoire de Nina et de Trigorine a lamentablement échouée détruisant Nina, comme Kostia avait détruit cette mouette deux ans plus tôt.

Que raconte cette histoire?

La Mouette est construite sur des triangles amoureux, ou devrais-je dire des cercles vicieux. Car ces histoires d'amour sans espoir sont comme des boucles sans fin qui ne s'échappent jamais d'elles mêmes. Arkadina et Trigorine, peut être parce qu'ils sont libres de se mouvoir et de changer de scène comme bon leur semble, peuvent s'échapper, mais pas les autres personnages.

Macha aime Kostia qui aime Nina qui aime Trigorine qui n'aime que lui...

Trigorine et Kostia sont un peu tous les deux l'auteur, ils lui ressemblent, et l'humour de la pièce repose sur cette identification, car Tchekhov se moque de Trigorine, qui dans son discours ne montre aucune mégalomanie, mais qui dans ses actes et par sa désinvolture est égoïste et cruel. Quand il rencontre Nina qui tient la mouette que Kostia a tuée, il la transforme en personnage de nouvelle et prédit le mal qu'il va lui faire: au bord d'un lac il y avait une jeune femme libre comme une mouette, un homme passait par là et parce qu'il n'avait rien d'autre à faire il la détruisît. Il le prédit sans y prendre garde et plonge dans l'histoire d'amour qu'elle lui propose sans penser aux conséquences, comme quelqu'un qui verrait la fourmilière et au lieu de la contourner marcherait dessus sans se poser de questions, et sans cruauté aucune.

Les acteurs de ce film sont extraordinaires et compensent le manque de point de vue de Sidney Lumet. Simone Signoret est la seule qui n'est pas britannique, et vous connaissez tout l'amour que j'ai pour elle, mais c'est très étrange de l'entendre discourir sur la manière d'être des français comme si elle était une russe alors qu'elle a ce lourd accent français...

Je dirais que c'est là que le bas blesse. Si le théâtre fonctionne avec les conventions, au cinéma il faut qu'elles soient très claires et systématiques pour fonctionner ( comme dans Dogville de Lars Von Trier par exemple) mais ici un relatif naturalisme est contredit sans raisons apparentes ni concepts par le contexte. La pièce de Kostia est censée se jouer à la nuit tombée, elle est ici jouée en plein jour ( pourquoi?)...

Il est important de voir ce film parce qu'il est magnifiquement joué et compris par de très grands acteurs, mais en tant qu'objet filmique il n'a absolument aucun intérêt.

Those new TV shows that everyone or no one is talking about/ Ces nouvelles séries dont tout le monde ou personne ne parle

2011-05-15T18:47:00.007+02:00

Endgame

C'est complétement par hasard que j'ai découvert cette série, je ne saurais même plus vous dire comment. Voici le pitch: Arkady Balagan (Shwan Doyle) grand maître des échecs a vu sa fiancée exploser dans une voiture qu'il devait prendre pour quitter son hôtel. Depuis il a été incapable de sortir. Seulement, voilà ne rejoignant plus les compétitions internationales, il ne gagne plus suffisamment d'argent pour payer sa suite luxueuse, c'est ainsi qu'il accepte une première fois de résoudre une énigme.

La série est de celle que l'on peut regarder en ayant manqué un épisode, ce qui n'est pas du tout mon type de série à la base, mais elle est originale et ingénieuse sur bien des points, et je ne la manque donc sous aucun prétexte.

D'abord si Balagan est agoraphobe, donc prisonnier de son hôtel et ne peut pas sortir la série en profite pour explorer en profondeur le monde d'un grand hôtel. Les enquêtes ne sont pas toujours criminelles, et les épisodes ne sont jamais conçus de la même manière. Les personnages sont tous plus ou moins des outsiders: la femme de chambre guatémaltèque, l'étudiant passionné d'échecs, la barmaid sexy mais intelligente ne sont pas ceux que l'on rencontre habituellement dans les séries de ce type. Chose rare dans une série américaine, les personnages principaux ne sont pas américains et ne pensent pas comme des américains. Alors n'entendant jamais parler de cette série, je m'en informe auprès de Nicolas de Itstvnews qui m'apprend que ce show est canadien, et bien moi je dis regardons les séries canadiennes elles en valent le coup!

It's completely by chance that I discovered this show, I can't even tell you how.

Here's the pitch: Arkady Balagan, grand master in chess saw his fiancée explode in the car he was supposed to take to leave his hotel, since he's been suffering from agoraphobia, and thus been unable to leave the Huxley. Not able to earn his living, he cannot anymore make enough money to pay his hotel bill, that's how he accepts first to help people solve puzzles: murder, mysteries...

This TV show is one of those that you can watch without following the order of the episodes ( not usually my cup of tea) but it's truly original and clever and I wouldn't miss it.

First Balagan being « prisoner » in the luxurious hotel, the life of this hotel becomes the centre of his world. Each episode is written in a different way, it's not like CSI where you have a twist every ten minutes, each stories deals with it's own rhythm. The characters are all more or less outsiders, Arkady is Russian, he is help by a nerdy student, a Guatemalan maid, and a sexy barmaid with connexions. Rare thing in an American TV show the main characters are emigrants, they don't think like Americans, and people come to them to listen to their original point of view. Surprised that there isn't any echo of this show on blogs or on twitter I learnt that it's a Canadian fiction, so what's going on ? why not also speaking of Canadian shows, especially when they have things to teach about writing!

Autre série non américaine et possible chef d'oeuvre de l'art sériel:

The Shadow Line

A peine commencée, seulement 2 épisodes de cette série sont sortis sur BBC2 et elle a déjà tout pour plaire, une réalisation cinématographique, un traitement du son et de l'image qui rappelle les films de Jean-Pierre Melville. Une description réaliste du métier de flic qui rappelle l'intéligence de The Wire.

Le pitch: la police et un cartel de la drogue recherche l'assassin d'un parrain.

Un casting parfait avec le magnifique Chiwetel Ejiofor qui jouait dans Serenity de Josh Whedon , Christopher Eccleston ex Dr Who.

On nous plonge dans cette fiction sans nous en donner les clefs, tout se découvre au fur et à mesure. La tension est à couper le souffle. À voir absolument.

And then another brilliant but non American TV show and possible master piece of the serial art:

The Shadow Line

It only started two weeks ago on BBC 2 but you have to watch it. First the attention on the film making, and the work on sound are cinematographic (meaning the filming also tells a story), it truly reminds me of the work of French film noir director jean-Pierre Melville. Then the writing is absolutely brilliant and original Hugo Blick seem to have understood what David Simon taught us with The Wire: a more realistic approach to police work.

The story: A drug godfather is found dead in his car just after being released from jail. And both sides are trying to find out who killed him.

The story starts “in medias res”, there is no introduction what so ever, and plunged into the police and criminals' word we're learning step by steps who's who and what might be their secrets.

The casting is extraordinary I am very happy to find back Josh Whedon's Serenity's villain Chiwetel Ejiofor as the cop, and Christopher Eccleston has the flower-man/ drug-dealer.

This show is breathtaking you have to watch it as soon as possible.

Camelot

Je vais avouer sans trop de honte un grand internet pour la légende arthurienne qui fait que je ne rate aucune des fictions qui lui sont consacré, et donc je dois avouer regarder avec un plaisir coupable, l'enfantin Merlin de la BBC. Ce que j'aime dans ce Camelot là, c'est sont écriture, les bornes de la légende arthurienne sont réexplorées que ce soit l'histoire d'excalibur, ou celle de la dame du lac, ou bien la relation d'Arthur et de Guenièvre. Je n'en dis pas plus là dessus, à vous d'y jeter un coup d'oeil. La série est sexy et sexuelle et j'ai beaucoup apprécié de retrouver dans les deux premiers épisodes le Marc Antoine de la Rome d'HBO, James Purefoy. Eva Green est passionnante à regarder évoluer, et la série finalement comme toutes les séries historique du moins en ce moment est ultra politique, opposant la gestion de la justice de Morgane à celle d'Arthur. Le pitch serait comment un roi assoie son pourvoir.

Mon seul reproche vis à vis de cette série tient au casting : Joseph Fiennes en fait des caisses en Merlin, certes je n'ai jamais trouvé un Merlin à mon gout, mais Joseph Fiennes n'est pas un acteur intéressant et selon moi il plombait FlashForward autant qu'il risque de plomber Camelot, et dire que son frère est un acteur si merveilleux.

I will admit without too much shame, that I am a big sucker for the Arthurian legend, this makes me watch with guilty pleasure the BBC Merlin (yes the on destined to children and young teenagers). What I like in this Camelot ( I say this Camelot because there's a French TV comedy called Kaamelot (pronounce it the English way) that I also love very much) it's its writing, the authors re explore the main stories, telling them in a more crude and maybe « realistic » way, like the legends of the lady of the lake, Arthur and Guinevere's relationship, Excalibur... Those new ideas are absolutely brilliant. I won't go into details. See for yourself. Another good point for Camelot is the sexiness of the show, Eva Green ( Morgan) shows her curves and try to gain power with a sexual alliance with ex Mark Anthony from HBO Rome James Purefoy. Like most of the historical of the moment shows Camelot is very politic and we could sum up the story this way : how a king settles his power .

The only fault of this show would be the casting, Joseph Fiennes was already miscast in FlashForward, and now he's just an overacting Merlin, I kind of wish that he would be replaced, it would be easy to explain: Merlin changed of body...

Game of thrones semble exciter tout le monde en ce moment, techniquement pour une série, les moyens mis en oeuvre sont assez impressionnants, mais je ne peux pas la regarder sans m'imaginer les gringalets passionnés d'héroïc fantasy qui se battent déguisés en chevalier sdu moyen age dans la boue les dimanches matin. Argh! je suis dure vous allez me dire, non mais j'aime bien, mais l'écriture de cette série ne me passionne pas, les méchants sont incestueux ce qui me semble rudement cliché, et s'il y a des éléments qui m'intéressent dedans je ne m'y sens pas assez impliquée émotionnellement pour la défendre bec et ongle, bref l'histoire ressemble beaucoup aux thèmes des bd que j'ai lu entre 13 et 17 et j'ai passé l'age pour ça. Vous me direz, que Camelot est du même ressort et je vous dirais que ce qui me plait dans Camelot c'est que la série prend une histoire que je connais par coeur et essaye de la raconter autrement, et c'est alors plus la méta fiction que la fiction qui m'intéresse. Mais il y a deux ou trois choses qui m'intéressent dans Game of Thrones, donc je ne donne pas d'avis définitif pour le moment.

Game of Thrones seems to excite everyone at the moment, technically, for a TV show, it extremely well done and looks like a TV version of the Lord of the rings. But I can't watch it without imagining skinny nerd playing heroic fantasy games, or going on Sunday mornings, dressed as knights, in a field to pretend fighting other skinny nerds. This is the kind of stories I used to like between the ages of thirteen and seventeen, I kind of had my share. You could tell me that Camelot and Game of Thrones deal with the same themes, But I enjoy Camelot because it's a reinterpretation of a very old theme, and if I watch and can enjoy Game of Throne, those are stories that I’ve read a million time if I haven't seen them on TV yet. The simple fact that the villains are incestuous almost put it into cliché land! The part I enjoy is the one of Calicy taking the power through sex, and what's going to be on the other side of the wall, I reserve a definite judgement, right now I am not in love.

Et enfin ma préférée du moment The Borgias. Est-ce la lecture récente du Prince de Machiavel qui me rend si intéressée par les Borgias, ou bien l'idée de voir vivre l'Italie de la renaissance, créative, vicieuse et délicieusement décadente et dangereuse, la liberté sexuelle des personnage, ce pape obsédé sexuel et politique... The Borgias dépeint au sein même de l'Eglise des personnages libres des névroses que nous a imposé le monde judéo-chrétien. Les acteurs y sont extraordinaire, Jeremy Irons et François Arnaud sont libres comme rarement dans les fictions historique où l'accent britannique de mise semble raidir et statufier tout le monde. The Borgias comme Rome semble décrire un monde d'avant la névrose, comme si dans des époque où la vie était moins précieuse les gens savaient mieux en profiter.

Last but certainly not least The Borgias, is it because I recently read Machiavelli's Prince, that I am so interested by the destiny of such a political family, or is it the idea of having a clear vision of the vice and decadence of the Italian renaissance? I couldn't tell. But I enjoy The Borgias a lot: the casting is perfect: Jeremy Irons as the sex obsessed pope seeking for political stability, the gorgeous François Arnaud is a wonderful Cesare Borgia... they're all extraordinary free, when so often in historical show actors seem stuck into their British accent. The Borgias is like an horror fairytale which really or could really had happened and I am fascinated by its luxe, lust, and deep enjoyment of life. As if when it was so easy to die or be killed people were having much more fun, it's like a show describing a time before the neurosis!

Opening Night, John Cassavetes

2011-05-02T19:32:00.005+02:00

La version française suit la version anglaise.

Often I write about films that I have just discovered whether they are classics or not, and my opinion is always fresh. Today it's different cinétrafic asked me to make a critic about a film that I know by heart, and which is easily on of my favourite films ever.

I first saw Opening night when I was fifteen or sixteen and my attraction towards this film was kind of weird because it looked like all I wouldn't love, but God I loved it and still do, I was obsessed by this film.

Myrtle Gordon actress in her fifties has to play a part that she doesn't rely to. Acting and theatre is all her life, she has no family, no husband no children, acting is all that she have, and she knows her job but this time she can't find, can't understand who the part is and everyone projects their own problems on her. The author who's an ageing woman thinks that Myrtle can't deal with age, her director that she's trying to screw the play...

After one of the rehearsal in public, a young fan follows her to her car screaming “I love you, I love you, I love you, I love you”, and while the car starts under the pouring rain, while she's still sending kisses, she's run over by a car, and dies. It's a tragedy for everyone, but for Myrtle this girl was passion, and emotions and now that she has aged her emotions and passions are not as strong as they used to be therefore she uses the ghost or projection of this girl to try to relate to her character, but what the mind creates is difficult to control.

This film is about creation, about how personal it is and about the sacrifices that you have to make to make art, not something pretty and convenient but something that involves guts and power, something that will change you forever.

Everyone in the play beside Myrtle would settle for convenient! Myrtle knows what theatre can do, she saw it again in her young fan's passion and would not settle for less than magical.

In this film Gena Rowlands who plays Myrtle Gordon is the best actress in the whole world, she's extraordinary, amazing, she's a goddess.

I have seen this film a hundreds of times and there has always been something new in it, at each viewing.

John Cassavetes is one of the rare filmmakers that never stayed at the surface of things, and in his this film he explores what is the creation of a part, the great amount of danger and magic it deals with, how you can loose yourself easily, and how no one is able to help you. Creation is a lonely path, that demands to get involved, committed with one's whole body and soul. Every actor or actor to be should see it and maybe we would get rid of all the nice and ok films of the earth.

J'écris souvent à propos de films que je viens de découvrir qu'ils soient des classiques ou non, et d'habitude mon opinion sur ces oeuvres est de première fraîcheur. Aujourd'hui à l'occasion de sa ressortie en DVD Cinétrafic me demande d'écrire une critique à propos d'un film que je connais par coeur, et un film qui construisit ce que je suis.

La première fois que j'ai vu Opening Night, je devais avoir 15 ou 16 ans, et je trouvais mon attirance pour ce film ,étrange, tant extérieurement il avait l'air glauque et triste, tout ce que normalement je n'aurais pas dû aimer, mais je le regardais et le reregardais sans l'épuiser, j'étais obsédée par ce film.

Myrtle Gordon une actrice qui a la cinquantaine doit jouer un personnage qu'elle ne comprend pas, le jeu et le théâtre sont toute sa vie. Elle ne s'est pas mariée, elle n'a ni enfants, ni famille, tout ce qui compte pour elle c'est son travail. Mais cette fois, elle se sent vidée de l'intérieur et ne sait pas qui est cette femme qu'elle joue, et personne ne peut l'aider. Tout le monde projette sur elle ses propres problèmes. L'auteure pense que Myrtle n'assume pas de vieillir, son metteur en scène pense qu'elle veut le faire échouer...

Après une des répétitions publiques avant la première à Broadway, une jeune femme accoste Myrtle, il pleut à torrent et pourtant la jeune femme la suit jusqu'à sa voiture répétant inlassablement “I love you, I love you, I love you, I love you” la voiture démarre et la jeune femme continue d'envoyer des baisers vers Myrtle, mais soudain une voiture qui ne l'avait pas vue l'écrase et elle meure. Pour tout le monde c'est une tragédie, mais pour Myrtle cette fille c'était l'ouverture sur le monde, la passion, et l'émotion ce qu'elle a perdu, alors elle utilise le fantôme ou la projection de cette jeune femme pour trouver l'âme de son rôle... mais l'inconscient n'est pas contrôlable.

Ce film parle de la création d'un rôle, à quel point c'est quelque chose de personnel, et à quel point il faut faire des sacrifices si on veut faire de l'art non pas de l'artisanat ou quelque chose de joli, de sympathique mais quelque chose qui vient des tripes qui est puissant et qui vous changera pour toujours.

Tout le monde dans la pièce se contenterait d'un jeu sympathique, mais pas Myrtle! Myrtle connait le pouvoir du théâtre, elle l'a vue encore une fois dans la passion de sa jeune fan.

Dans ce film Gena Rowlands qui joue le rôle de Myrtle Gordon est la meilleure actrice de tous les temps, elle est extraordinaire, incroyable, c'est une déesse.

J'ai vu ce film des dizaines de fois, et j'y ai toujours trouvé quelque chose de nouveau, à chaque visions, il est inépuisable.

John Cassavetes est un des rares cinéastes qui n'est jamais resté à la surface des choses, et dans ce film il explore ce qu'est la création d'un rôle, la grande quantité de danger et de magie qui entrent en jeu quand l'acteur refuse de faire semblant, de prétendre. La solitude qui en émane, mais aussi le résultat extraordinaire d'un travail qui joue avec les forces de l'imagination, de la vie, de la mort et de l'amour. La création est un chemin solitaire, qui demande un investissement total, un engagement entier du corps et de l'esprit. Chaque acteur, ou chaque personne désirant être acteur (actrice) devrait voir ce film, et peut-être qu'on en finirait avec le sympathique et le gentil!

Projet Shadows, faire un film à partir d'impros !

2011-04-23T12:54:00.005+02:00

Inspiré du travail de John Cassavetes sur son premier film Shadows, Projet Shadows est un atelier d'improvisation cinéma, à partir duquel un moyen métrage va être créé.

À travers des exercices d'imagination, de placement du corps dans l'espace et des improvisations actors studio, nous travaillons les émotions et la disponibilité de l'acteur.

Le projet reprend du 30 avril jusqu'au 18 juin si vous souhaitez nous rejoindre, contactez nous à projetshadows@gmail.com
Tarif forfaitaire à partir du 30 avril 131 euros pour 8 séances de 4 heures.

LOUISE BOURGEOIS l'araignée, la maîtresse et la mandarine

2011-04-03T13:47:00.006+02:00

ENGLISH VERSION FOLLOWS THE FRENCH ONE after the video! ( NO NEED FOR GOOGLE TRANSLATOR)

Pour une fois le concept de ce blog ( écrire les articles en français et anglais) et le film dont je vais parler se rejoignent.

Voici un documentaire sur Louise Bourgeois, artiste française de naissance qui vécu à partir de 1938 et jusqu'à sa mort en 2010 aux Etats Unis. LB parcourt ce documentaire avec son extraordinaire talent, intelligence et son accent français à couper au couteau.

La force de ce documentaire est de majoritairement laisser l'artiste s'exprimer. Le film n'est pas divisé selon sa biographie mais selon les trois thèmes principaux de son oeuvre qui recoupent sa biographie. Parce qu'après tout comme dit son assistant Jerry dans le film, l'oeuvre de Louise Bourgeois était une façon de transformer un journal intime en Art.

Le film commence par montrer LB dans son atelier, et elle explique ce que cela signifie pour elle de sculpter. Elle tient sa statue comme si elle était aveugle, complétement focalisé sur le sens du toucher. La réalisatrice veut apporter son grain de sel en parlant de la différence entre les hommes et les femmes, et LB, lui rétorque poliment mais d'un ton ferme que ça n'est pas ce qu'elle était en train de dire puis enchaîne:

"But it is diffficult to be a woman and to be likeable, you see, this desire to be likeable it is really a pain in the neck, how are you going to be likeable and be yourself? »

Et là on voit la problématique d'une partie de la vie de Louise Bourgeois, celle où elle était dans le doute sur sa capacité à être une artiste exposable et où elle essayait d'être une parfaite maîtresse de maison, mais on voit aussi toute sa force et le choix assumé qu'elle a fait depuis déjà longtemps au moment où elle a fait ce documentaire d'être elle-même et de ne plus chercher à être aimable mais d'être elle-même.

Le travail de Louise Bourgeois, comme sa parole, sont d'une telle richesse qu'un documentaire qui les présente ne peut être qu'incontournable.

Dans ce film et par sa propre voix, on apprend sa mythologie, le fioul de sa créativité, et sans en dire plus en tant que femme, qu'artiste et être humain, je trouve qu'écouter ce que Louise Bourgeois avait à dire sur sa vie est d'une puissance émotionnelle et intellectuelle indispensable.

Distribué par M6

Ecrit en collaboration avec cinétrafic, fiche du film sur cinétrafic

Louise Bourgeois: the spider, the mistress and the tangerine

For once the concept of my blog ( writing the articles in French and English) and the film I am talking about work the same way.

Here's a documentary on Louise Bourgeois, an artist born in France who lived from 1938 until her death in 2010 in the US of A. LB travels in this documentary with her extraordinary intelligence, talent and her thick French accent, and the strength of the documentary is that it let her express herself. This film is not structured by her biography but by the main themes in her artistic career, which of course are deeply and strongly linked to her biography. Because after all as her assistant Jerry says (in the film) her opuses were a way of transforming a private diary into Art.

This film starts by showing LB in her workshop and she explains, touching and feeling a statue as if she were blind, totally involved in the sense of touch what it means to sculpt. The film-maker wants to add something and speaks about the difference between men and woman, and LB, answers politely but sharply that this is not what she was talking about then she adds:

« But it is difficult to be a woman and to be likeable, you see, this desire to be likeable it is really a pain in the neck, how are you going to be likeable and be yourself? »

And then as always in this documentary we understand that Louise Bourgeois was not only a fantastic artist but that she also had an insight on her work and on the problematic of women at work, when society mostly ask them to be likeable, and when everyone still wants to believe that women are soft and loving, while they can be rough and violent as much and even more than men! She used to live with this dilemma trying to be a perfect hostess, and an artist, but at the moment this documentary was shot, she had stopped for a long time trying to be likeable and did the real work, that made her one of the most important artist of the twentieth and twenty first century.

Louise Bourgeois's work, as much as her speeches are so rich that a documentary which presents them has to be very important, and it took me time to write about this one because all I heard in it was precious to me as a woman, as a human being and as an artist, and I didn't know how to deliver it the right way.

CinéNordica jour 4: Varg Veum et Troll Hunter

2011-03-08T13:25:00.005+01:00

La spécificité du cinéma nordique quand elle est là, tient pour moi dans son imagination. J'ai dit spécificité, je voulais dire fantaisie, son facteur X, sa touche en plus. Il s'agit là d'un perception toute personnelle, mais n'est-il pas vrai que les classique nordiques les Dreyer, les Bergman, flirtent souvent avec un fantastique réaliste(ou pas), des fantômes, des miracles? La littérature nordique n'est elle pas pleine de contes, de légendes?( Andersen, Karen Blixen, Selma Lagerlof, Ibsen...)

Dans le blog du jour 3 sur La Faim je m'étonnais du sens de l'humour que je n'avais pas soupçonné en lisant le pitch, et hier en voyant Troll Hunter je me suis dit que c'est cet esprit que j'attendais depuis le début du festival. L'esprit de folie et d'absurde que mettait le Lars Von Trier des débuts dans L'Hôpital et ses Fantômes dont je révère l'originalité.

CinéNordica jour 4

Varg Veum, la belle dormi cent ans de Erik Richter Strand

Avec son physique de Thorgal blond, le beau Trond Espen Seim pourrait bien hanter mes nuits, il joue le rôle d'un détective privé dont la spécialité est de retrouver les mineurs. Son nom Veum, Varg Veum, signifie le loup dans le sanctuaire, autrement dit le banni... Bon personnellement il m'avait suffi de cette petite explication pour avoir envie de voir le film... mais voilà, ce que j'ai vu n'est pas un film, mais un téléfilm, un épisode de série. Certes il se passent à Bergen en Norvège, mais si le paysage change, Varg Veum rentre dans la catégorie série policière européenne, ou se battent en duel sur nos télés les séries allemandes et française. 3 ou 4 twists dans le scénario, des personnages de bourgeois pervertis... Bon en gros un Derrick sexy, contemporain et plus dynamique, mais rien qui change qui bouleverse notre perception du monde.

Je profite de cette occasion pour parler des séries policière en général, des experts... Je suis une vraie consommatrice de littérature policière ( classique) ( à part les Ellroy ou Tony Hillerman pendant les vacances je lis peu de « polar contemporains ») et je déteste les histoires à twist, parce qu'à chaque retournements on s'éloigne de la réalité. J'aime les Simenon qui dans un style extraordinairement fluide peignent la société avec des histoires simples. Depuis ma lecture l'été dernier de Homicide de David Simon, une enquête d'une année à suivre les détectives de la criminelle à Baltimore, j'ai envie de voir des séries qui reviendrait au réel et aux fondamentaux, au lieu d'être seulement des exercices d'écriture scénaristiques où le mystère est épaissi artificiellement pour vous tenir en haleine. La vie est pourtant déjà bien assez complexe et je pense que si personnellement j'aime les énigmes policière c'est parce qu'elle enquête sur la nature de l'humain.

Troll Hunter de André Ovredal

Mocumentaire filmé à la manière du Projet Blair Witch, de Cloverfield,ou dans la culture Franco-belge C'est arrivé près de chez vous, Troll Hunter est malin, potache, rythmé et très drôle, il a très certainement un gros potentiel à devenir culte!

Un groupe d'étudiants mène l'enquête, caméra à l'épaule sur un mystérieux chasseur d'ours. Hans, se révèle en fait être chasseur de trolls. Comment les trolls existent? Mais oui et le gouvernement norvégien le cache. Hans est censé garder le secret mais il aimerait que sa convention collective soit renégociée car dixit il fait un boulot de merde!

On apprend donc que les trolls vivent jusqu'à 1500 ans, qu'ils ne fixent pas la vitamine D comme les humains ce qui fait qu'à la lumière du jour ils se transforment en pierres ou éclatent. « Et leur QI? » demande Thomas l'interviewer « Au sous-sol » répond Hans, et là il raconte qu'il a vu un troll essayer de manger sa propre queue.

Troll Hunter est un road movie qui parcourt les superbes paysages des fjords norvégiens. Et les images sont souvent à couper le souffle. Ce film est assez malin pour utiliser les absurdités de la réalité: une ligne haute tension qui ne va nulle part pour démontrer l'existence des trolls... Mon côté athée anar adore que les trolls sentent la chrétienté et s'y attaque... Hans pour faire une prise de sang à l'une de ces créatures verse littéralement du sang de chrétien. Voilà un film inventif, extrêmement drôle comme on aimerait en voir plus!

CinéNordica jour 3 : La Faim de Henning Carlsen

2011-03-06T23:24:00.006+01:00

CinéNordica Troisième jour

La Faim est le film que je désirais le plus voir de tout le festival.

Parce que Knut Hamsun est peu lu, et parce que Charles Bukowski le cite très souvent comme son auteur préféré. Parce que mon ami, Guillaume Falourd ( qui mérite autant que d'autres son évocation dans ce blog) m'a appris que Miller (Henry, le hardcore comme dit Gainsbourg ( à qui je peux moi aussi rendre hommage)) était aussi un fan. Mathématiquement et pragmatiquement, si deux auteurs qui sont ou ont été importants dans mon développement en tant que personne le révèrent, il est temps que je m'y mette!

Encore une fois l'adaptation littéraire a pour but, pour moi, non pas de remplacer le livre mais d'en être le teaser!

Je n'ai donc pas pris le risque de lire le livre quelques jours à peine avant la projection: un seul des deux formats aurait survécu.

Je pardonne aux deux danois qui ont passé la séance à parler, le fait de m'avoir déconcentré. Apparemment cette attitude est culturelle.

J'ai été véritablement impressionnée par Kafka lorsque j'ai lu sa nouvelle Un Artiste de la Faim. La faim est pour un être humain une expérience quotidienne mais rare sont ceux, du moins en occident, qui ont eu à en souffrir, à craindre d'en mourir. Le héros, écrivain miséreux, n'a non seulement pas un sou, mais il essaye de maintenir les apparences. Il ne demande pas, ne supplie pas, il doit trouver du travail malgré ses forces déclinantes et il se permet même de rêver à l'amour.

Majoritairement filmé en extérieurs le film est naturellement lumineux et vivant. Alors qu'il s'agit d'un film « historique » il est filmé comme le serait une oeuvre contemporaine et l'auteur ne s'attarde pas sur les détails de la vie quotidienne comme sur des bizarreries du passé, et ça j'aime! Se nourrir est un besoin primaire du corps, centrer un roman ou un film sur un besoin primaire cela signifie aussi, aller à l'essentiel ne plus s'attacher au superficiel.

La difficulté de l'adaptation est donc de créer l'identification puisque la faim n'est pas visuelle.

Bien entendu sur ce type de sujet un film ne peut pas avoir la même force qu'un roman. Recréer les hallucinations de la faim cela voudra dire faire un choix technique qui sera toujours moins fort que celui de la projection de l'esprit. Mais Per Oscarsson parfois bouffon parfois extraordinairement touchant porte son personnage avec assez de grâce pour que notre estomac se sente solidaire et glougloute péniblement dans le silence de la salle.

J'ai été étonnée par l'humour et la fantaisie du personnage principal, je m'attendais vraiment à voir un drame. L'absurdité de son besoin de s'accrocher aux apparences et à la bourgeoisie m'a fait pensé au Tchitchikhov des Âmes Mortes de Gogol.

La Faim est le seul film que j'ai vu aujourd'hui à CinéNordica, je n'ai pas pu résister à l'appel du soleil. Reste deux jours …

Note: Le film était diffusé en numérique ( argh) il n'existe qu'une seule copie 35 mm qui est apparemment dans un sale état ( et pourtant le film n'est pas si vieux (1966)) ça serait bien qu'elle soit restaurée, non?

CinéNordica et le poltergeist bergmanien

2011-03-05T22:13:00.009+01:00

Ecrivant en état migraineux, je vous prie d'avance de bien vouloir excuser toute bizarrerie linguistique qui pourrait apparaître dans ce blog.

Aurore de www.cineaster.net croisée aujourd'hui à la sortie de Reposer sous la Mer, m'a demandée si le film Finlandais était la cause de mon état. Je tiens à innocenter le cinéma nordique qui n'a rien à voir avec l'état de vasoconstriction de mon cerveau.

Problèmes de projection deuxième épisode, ou comment la pellicule brûla sous nos yeux

On dirait que le destin désire me donner une leçon, me prouver que ma croisade perdue d'avance contre le numérique est idiote. Mais je ne fléchirais pas!

Pendant Reposer sous la Mer, l'image s'est coincée dans le projecteur et sous les yeux du public elle a commencé à se dégrader, à prendre feu. Je n'ai pas eu le temps de prendre une photo. C'est très bergmanien comme image, souvenez-vous dans Persona. Me vient une théorie: le fantôme de Bergman serait-il présent à CinéNordica et n'essaierait-il pas de transformer des films normaux en films d'avant-garde malgré eux?

Personnellement je ne suis pas du tout outrée par ces accidents, ils me fascinent, dans le sens où l'erreur crée l'anecdote et crée le récit.

Les films

Terriblement heureux de Henrik Ruben Genz

Cet opus raconte l'histoire d'un flic envoyé dans le fin fond du Danemark après une dangereuse perte de contrôle de soi. Ce lieu c'est un peu le far west danois, le shérif doit s'imposer, et seule compte la loi du plus fort.

Avec cette histoire adaptée d'un roman, le réalisateur aurait pu faire une fable sur la justice, mais finalement l'histoire reste au seul niveau du divertissement. Comme un téléfilm de France 3 qui aurait remplacé les bons sentiments par de la cruauté.

À la pause j'avais vraiment besoin d'un café mais il n'y en avait nulle part j'ai donc opté pour les réglisses salés... C'est le genre de goût étrange que j'aime assez...

Reposer sous la Mer de Lenka Hellstadt

Ida Dalh est maghrébine d'origine, mais finlandaise de culture. Elle a été adoptée lorsqu'elle avait trois ans, par une syndicaliste communiste célibataire: Kati. Elle n'arrive pas à trouver du travail et se remet d'une dépression nerveuse. Alors que sa mère ne trouve pas le moyen de lui apprendre qu'elle est cardiaque et risque de mourir bientôt. Ida décide d'aller vivre à Berlin.

Voici un film « coming of age », Ida va apprendre à vivre sa vie en Allemagne. Chose très étrange pour nous français, Ida trouve les allemands trop émotionnels et chaleureux et ça la fait flipper. Selon Ville, son professeur de plongée sous-marine, homosexuel la vie en Finlande c'est ne rien dire pendant 40 ans et monter se pendre au grenier... Sympa !

je n'ai pas été touchée par ce film à part par le personnage de la mère (Marja Packalen) qui est très émouvante. Ida reste froide et pour un film qui s'appelle « reposer sous le mer » et bien tout reste vraiment à la surface et les personnages n'arrivent pas à sortir de leur statut de clichés. Bref un autre film qui entre pour moi dans la catégorie téléfilm du samedi soir sur France 3.

Et j'ai hâte demain de voir à 15h La Faim adapté du roman de Hamsun.

CinéNordica jour 1 : Upperdog

2011-03-04T23:31:00.007+01:00

Aujourd'hui à 17h au cinéma du Panthéon commençait avec Upperdog, les cinq jours de cinéma nordique : CinéNordica

La séance de l'après-midi n'est pas complète et le film est précédé d'un court-métrage nommé Are You Here? Les images sont superbes .

Upperdog de Sara Johnsen

À cause d'un mélange des bobines, j'ai vécu une expérience déconstruite qui mélangeant les éléments du récit a démontré la qualité du jeu des acteurs, et la précision de l'écriture.

Lorsque Upperdog commence mes yeux sont sincèrement soulagés de voir que les contours extérieurs du film ne sont pas des lignes droites et que l'image sera analogique.

Un de mes professeurs d'université appelait les films qui ne travaillent pas sur leur temporalité, des films Walt Disney, et j'avoue que je ne m'attendais pas avec ce film très intéressant humainement mais classique dans sa facture, à une déconstruction temporelle. Je me suis faite la réflexion, que cette déconstruction faisait perdre pied au spectateur qui ne pouvait plus se repérer... savoir où il en était de la fin. Mais c'est ma collègue bloggeuse, Aurore de www.cineaster.net qui m'a fait savoir (après coup) que les bobines avaient été mélangées et que j'avais vu le film dans l'ordre 1-4-3-2-5.

Ce qui m'intéresse dans cet incident, c'est que je ne m'en suis pas aperçue et que j'ai pu apprécier et être touchée par le film.

Upperdog raconte l'histoire de quatre personnages dont les vies se croisent et interagissent. Axel, jeune homme arrogant a quitté son amie après l'avoir piégée. Il retourne vivre chez ses parents adoptifs. Axel est d'origine asiatique. Maria, immigrée polonaise qui ne parle qu'anglais fait le ménage chez les parents d'Axel et travaille aussi avec Yanne, jeune femme asiatique qui tient un restaurant. À travers une même photo qu'elle trouve dans les deux maisons, Maria comprend que Yanne et Axel sont frère et soeur et qu'ils ont été séparés à l'adoption.

Maria vit une histoire sexuelle et intense avec Axel. Tandis que Yanne se lie peu à peu au jeune Per qui revenu du service militaire en Afghanistan doit avancer dans la vie après avoir tué un homme.

Ça n'est pas évident vu l'expérience étrange que j'ai eu avec ce film de vous en faire un rapport exact quoi qu'il en soit, il mérite que je le revois dans son ordre naturel, car les acteurs sont tous extraordinaires et le thème des blessures de la vie et la façon donc les quatre personnages y font face, aurait pu me toucher beaucoup plus profondément.

Du simple point de vue technique, vu que je ne peux pas me faire une idée de la continuité émotionnelle, les personnages construits minutieusement, sont spécifiques, épais et beaux, oui vraiment agréables à regarder. Ce que je n'ai pas aimé du film c'était son montage, mais c'était un accident, j'aimerais avoir le temps de le voir enfin!

Upperdog repasse lundi à 17h au cinéma du Panthéon

slaughterhouse 5/ Abattoir 5

2011-02-22T21:16:00.005+01:00

ENGLISH VERSION FOLLOWS THE FRENCH ONE.

Quelle connerie la guerre Jacques Prévert

Adapté du roman de Kurt Vonnegut, dans lequel il mélangea ses souvenirs des bombardements de Dresde avec de la science fiction, Abattoir 5 raconte l'histoire de Billy Pilgrim qui a la capacité de voyager dans le temps de sa propre vie.

La première scène est filmée de l'intérieur d'une maison. Une femme et son mari essaient d'entrer. Elle est inquiète, elle crie “Papa!” Quand finalement ils trouvent un moyen de pénétrer, on est mis en présence de l'homme qui suscite l'inquiétude, il tape une lettre pour expliquer comment il voyage dans sa propre vie. Nous voilà, tout à coup, sous la neige, des militaires nazis passent devant nous et Billy Pilgrim ( c'est son nom) se cache. Nous revenons à la machine à écrire. Billy écrit que ce matin même il était avec sa chère amie Montana sur la planète Tralfamador et de retour au temps de la guerre.

Tout le film va circuler entre le passé, le présent et le future. Mais l'histoire centrale à cette adaptation est le temps où Pilgrim est prisonnier de guerre chez les allemands.

C'est sur cela que le film n'a pas pris un coup de vieux. Et il est fascinant car il montre des réalités historique dont on entend jamais parler, comme le fait que quelques américains recrutaient parmi les prisonniers de guerre ceux qui feraient partie d'une armée nazie américaine ( et ils avaient déjà leur uniforme).Le comportement militaire est montré dans toute son absurdité comparé à la grâce naturelle de la vie.

Dresde est présentée dans toute sa beauté, et Pilgrim est touché il la compare à Oz où une ville de conte de fée (après tout comme le chante Barbara Et que personne ne s'offense, Mais les contes de notre enfance, "Il était une fois" commencent, A Göttingen (ou à Dresde...)). Il ne peut pas ne pas être touché par la vie de la ville. Les enfants qui jouent avec des masques, les jeunes amoureux... ou ce soldat allemand adolescent qui n'a probablement pas plus que 14 ans, et qui voyant sa ville détruite court comme un désespéré sauver ses parents des flammes et y laisse sa vie. L'empathie ne s'arrête pas aux portes de l'ennemi.

Adapted from Kurt Vonnegut's book which mixes his experience in Dresden during the 1945 bombings and science fiction, Slaughterhouse 5 tells the story of Billy Pilgrim who has the ability to travel back and forth in his own life.

The first sequence is shot from inside a house. A woman and her husband are trying to get in. She's worried, she calling for “Daddy!”when they finally find a way to get in , we see the man in question typing a letter to an editor explaining that he's been going back and forth in his life. Something happens and we're in a snow storm, we see nazi soldiers passing by and Billy Pilgrim hiding from them. We come back to the typing. Billy writes that this morning only he was with his dear friend Montana on the planet Tralfamador and back during wartime.

The whole film will go back and forth in the past, the present and the future. The key story in this adaptation is Pilgrim's time during the war when he's made prisoner by the Germans.

This is where the film hasn't aged. It's fascinating because it shows historical truth that are rarely painted, like the fact that some American were recruiting amongst the prisoners to create an US branch of the nazi army and that they already had a uniform.

Military behaviour is depicted in all its absurdity compared to the natural state of grace of life. Dresden is shown in its beauty and Pilgrim is touched by it as if he had seen a landscape from a fairy tale. ( after all Grimms' fairy tales are German)

He can't not be touched by the life of the city. The kids having fun with masks. Or this teenage nazi soldier who's probably fourteen years old but behave like a man. Once Dresden is destroyed he runs like a mad kid through the city in fire to find his parents and dies in the fire of his house. Empathy doesn't stop at the enemy's door!

Bunny Lake is Missing

2011-02-16T16:41:00.007+01:00

THE ENGLISH VERSION FOLLOWS THE FRENCH ONE.

Les films d'Otto Preminger, techniquement parfaits, vicieux comme des Hitchcock et brilliantissimes au niveau du contenu ont aussi le mérite d'être des scènes privilégiées pour les acteurs. Prenez Autopsie d'un Meurtre où deux générations de comédiens ont l'opportunité de s'affronter à rôles égaux: Jimmy Stewart contre Ben Gazzara. Ou la très belle performance de Marilyn Monroe dans La Rivière sans Retour. Ici c'est Laurence Olivier (il aurait détesté et le film et le tournage)qui joue pour une fois sans maquillage, et nous donner l'occasion de le voir tel qu'il était dans une interprétation sobre et émouvante en légèreté.

Un jeune homme élancé, Steven (Keir Dulea (son visage vous sera familier, c'était lui Dave dans 2001, l'Odyssée de l'Espace)), récupère un ours en peluche près d'une balançoire, comme un criminel qui ferait disparaître ses preuves, il le met dans son sac, puis est suivi par des déménageurs jusqu'à un autre appartement. Là il leur dit d'attendre un peu car elle risque d'être en retard. Elle, c'est Ann Lake, elle attend à l'école maternelle que quelqu'un vienne s'occuper de sa fille dont c'est le premier jour. Elle finit par la confier à la cuisinière. Lorsque Ann revient chercher son enfant, Bunny, elle a disparu. Steve et Ann retournent toute l'école pour trouver la petite fille, mais personne ne l'a vue, elle n'est pas sur les registres... Dans l'appartement, les affaires de Bunny et son passeport sont aussi introuvables. Une idée nait peu à peu, que Felicia Lake, alias Bunny, n'a jamais existé...

Bunny Lake a Disparu raconte une histoire atroce, la disparition d'une enfant, mais ne la traite pas comme une histoire atroce. Preminger la raconte comme un conte pour enfant, un Hansel et Gretel moderne, se passant dans les rues de Londres. Les situations dramatiques sont systématiquement dédramatisées, elles sont mises à nu, ce qui les rend plus effrayantes encore. Le spectateur n'a aucun indice sur l'existence ou non de Bunny, il se retrouve dans la même situation que dans la vie.

Techniquement ce film est d'une virtuosité à couper le souffle, des travellings stylés dans des décors naturels suivent le visage frais et ému de Ann (magnifique Carol Lynley). Un cool jazz remplace la musique angoissante de thriller qui aurait pu hérisser nos nerfs. Le générique de Saul Bass est un chef d'oeuvre en lui-même.

La présence du monde réel, de la réalité est très prégnante. Lorsque le super-intendant Newhouse (Olivier) invite Ann au pub, pour la rassurer que les recherches continuent, il lui montre la télé où l'annonce de la recherche de Bunny commence mais quelqu'un change de chaine pour laisser chanter les Zombies ( que personnellement j'adore).

Comme dans la réalité, le monde se fiche des histoires personnelles, et cette scène est brillante parce qu'elle montre le hors-champ, elle montre que même dans le film, seuls les personnages ayant un lien direct avec l'histoire s'y intéressent, les autres vivent d'autres histoires.

Ce qui est merveilleux dans ce film, c'est la façon dont le personnage d'Ann se développe, au début on la perçoit de l'extérieur comme un être humain normal, et on a donc des préjugés on la voit comme une naïve fragile puis peu à peu elle se libère des avis des autres personnages montre sa force et sa grande intelligence. C'est un personnage extraordinaire tout à fait passionnant.

J'aurais l'extrême bonté de ne rien vous dire de la fin terriblement effrayante et totalement camp, mais ajouterais que dans les ingrédients, il y a une visite nocturne dans un hôpital pour poupées, et une autre dans un hôpital psychiatrique. Dans la dernière scène Preminger sait magnifiquement exploiter et devancer nos peurs.

Je vous encourage à voir ou à revoir ce film étrange de Preminger qui sortant des genres nous emmène sur des routes non explorées, il est fascinant et extraordinaire.

Otto Preminger's films, technically perfect, vicious like Hitchcocks, and brilliant concerning their inner contents, also have the greatness to be privileged scenes for actors. Take Anatomy of a murder where two generations have a rare opportunity to confront: Jimmy Stewart Vs Ben Gazzara, or the very strong performance of Marilyn Monroe is the River of No Return. Here it's Laurence Olivier who plays without make up showing us in a very sober and moving interpretation his true self.

A young slim man, Steven ( Keir Dulea ( you'll recognise his face, he was Dave in 2001, Space Odyssey)) pick up a teddy bear near the swingers, like a criminal who would erase the traces of a murder, he put it in a bag, then he is followed by removals to another apartment. There he let them know that She will probably be a bit late. She, it's Ann Lake, she's waiting at the Little People school that somebody will come and take care of her kid because it's her first day. She ends up leaving the child in the cook's care. But when Ann comes back to pick up the little girl, no one has seen her, she's not even on the registers... In the new appeasement, Bunny's things have disappeared. An idea is arising, maybe Felicia Lake, aka Bunny never existed...

Bunny Lake is Missing tells an horrible story, the disappearance of a child, but doesn't treat it like an horrible story. Preminger tells it like a tale for children, a modern Hansel and Gretel, taking place in the streets of London. The potentially traumatising situations are systematically de-dramatised, which make them more scary, by the nudity of the direction. The watcher has no clue if Bunny really exist or not, he's exactly in the same position he would be in real life facing this kind of mystery.

Technically this film is of an heart breaking virtuosity, the stylish travellings filmed in natural settings which are following the fresh and moved face of Ann (wonderful Carol Lynley) are amazing. There's cool jazz instead of anguishing thriller music, and the titles created by Saul Bass are by themselves a masterpiece.

The presence of the real world outside our story, but in the film is very obvious. When the superintendent Newhouse (Olivier) invites Ann in a pub, to reassure her that the researches are going on he points out the announcement about Bunny on TV, but someone change the channel to let the Zombies (which I personally adore) sing.

Like in real life, no one cares about the story apart from those involved in it. This scene is brilliant because it shows the existence of the Off-screen instead of closing the film on itself.

What is wonderful in this opus, is the way Ann's character develops. We learn to know her, like we would do with real people in real life. First with misconception, she seems fragile and naïve, and then we witness her force and intelligence. She's an extraordinary and absolutely fascinating character.

I'll be nice enough and won't spoil the ending for you, but the ingredients of this ending are so poetic and camp, that you must at least know that a dolls hospital and psychiatric hospital are involved.

In the last scene Preminger wonderfully knows how to exploit and outstrip our fears.

I encourage you to watch or re-watch this strange film, which by getting out of the genres lead us on non explored roads. It an extraordinary and fascinating opus.

Ciné Nordica

2011-02-15T21:19:00.007+01:00

Un court blog pour vous signaler le très intéressant festival Ciné Nordica qui aura lieu du 4 au 8 mars 2011 au cinéma du Panthéon.

Dans une atmosphère chaleureuse et cinéphile, le programme riche en découvertes et raretés de Ciné Nordica 2011 proposera de découvrir de nombreux longs métrages nordique (danois, finlandais, islandais, suédois et norvégiens), dont certains sont inédits en France, et de rencontrer leurs réalisateurs.
Le programme

Http://www.cinenordica.com

J'y serais et je vous en rendrais compte