TETRO by Francis Ford Coppola

ENGLISH VERSION FOLLOWS

Benny débarque de son paquebot dans un Buenos-Aires d’opérette en noir et blanc. Il va passer quelques jours avec son frère, qui partit il y a onze en congé sabbatique et ne revint jamais. Dans son sac, une lettre d’Angelo dans laquelle il écrivait qu’il viendrait le sauver de leur père tyrannique. Benny s’est échappé de lui-même en s’embarquant sur un paquebot comme un personnage de romans d’aventures. Angelo qui avait fui pour écrire, a tourné le dos à la littérature, à sa famille et à son propre prénom. Désormais il souhaite être nommé Tetro, et Benny n’est pas vraiment bienvenu dans sa nouvelle vie.

Benny trouve le manuscrit de son frère, et décide de le décoder…

Le film raconte l’histoire de Tetro, à travers des flash-backs générés par sa propre narration tirée du manuscrit, des conversations, des colères, un extrait des Contes d’Hoffmann de Powell et Pressburger, la danse (qui transforme les souvenirs en art et pure émotion), et enfin la pièce de Tetro jouée de façon outrée comme du cabaret.

Allant de la pureté totale à une vision opératique, avec des acteurs sobres, et d’autres cabotins, ce film est une symphonie sur l’art et la filiation.

Malgré de nombreuses références au cinéma classique ( par exemple lorsqu’Angelo et son ogre de père marchent sur la plage et passent devant un panneau “No trespassing” comme celui de Citizen Kane d’Orson Welles) et à la littérature ( lorsque Benny travaille chez Aberlardo, il y a derrière lui les portraits d’Hemingway, Antonin Artaud et Rimbaud), ce film ne prend jamais la lourdeur d’une œuvre postmoderne ; et Coppola sait jouer de la trompette du kitsch ( le vulgarissime festival Parricides de Patagonie) en laissant à son récit la pureté d’une tragédie grecque.

Le rôle de Tetro est joué par l’extraordinaire Vincent Gallo, dont le sage perfectionnisme et la minéralité, ne cachent pas les tourments qui se meuvent sous le masque de sa beauté incarnée.

Benny est interprété par le jeune Alden Ehrenreich qui est superbe (rappelant parfois Marlon Brando jeune) à la fois joueur, brillant, curieux et sensible.

Leurs traumatismes, l’amputation d’amour qu’ils ont subit, semble les rendre maladroits, semble les porter à se frotter au danger des routes trop fréquentées et durant tout le film nous sommes suspendu à leur vies qui semblent ne tenir qu’à un fil. Cette fragilité donne le tempo à souffle coupé du film.

Pour moi Tetro a été un choc; j’avais un peu peur dans les 30 premières secondes, de ce noir et blanc plaqué et cette Argentine de cartes postales, mais pratiquement immédiatement j’ai été emportée par la force des émotions des personnages. Le sens de l’humour de cette fresque, son lyrisme, l’excentricité assumée, et l’originalité du traitement m’ont tellement éblouie, que je ne comprends absolument pas que quiconque puisse douter que ce film est un chef d’œuvre ! Il y a si longtemps que je n’avais pas été prise avec une telle force par un film contemporain !

Coppola avec Tetro transcende l’autobiographie en la faisant mythe universel !

PS Attention révélation NE PAS LIRE SI VOUS N'AVEZ PAS VU LE FILM

Le soir où j’ai vu Tetro je me suis couchée à l’intérieur du film, et lorsque le lendemain je me suis réveille, il était toujours présent en moi. La veille j’avais quitté la salle de cinéma encore hantée par les dangers qui avaient été écarté, il m’a fallut un nuit pour me rendre compte que la couleur finale du film est positive car le père monstrueux est sorti du tableau de famille, et c’est l’adulte de référence, le frère qui presque par magie prend le rôle de père pour mener cette famille loin des rivalités et vers l’art.

Benny arrives in an almost dream-like black and white Buenos Aires, to spend a few days with his brother who left the family for a writing sabbatical eleven years ago. In Benny’s bag, there’s a letter that Angelo wrote when he left. He was promising to come back and save him from their tyrannical father. He never did. Benny escaped by himself! Angelo has turned his back on writing, on his family,and even on his own first name. Now he asks to be called Tetro and he does not really welcome his younger brother.

Benny finds his brother’s coded manuscript, and decides to decipher it…

So this film tells Tetro’s story through flashbacks generated by his own narration from the manuscript, extracts of the Powell and Pressburger’s film: The Tales of Hoffmann; ballets (transfiguring the memory into pure art and emotion), and the played cabaret like play from Tetro’s manuscript… Going from deliberately pure to operatic, with sober actors and over the top ones, this film is like a symphony about art and filiations. One by one, it unveils Tetro’s traumas: his mother who was killed in a car accident while he was driving. A genius father who took everything from everybody around, like a fairy tale monster…

Despites the numerous references to classic cinema (like when Angelo and his bigger than life father walks on a beach where a “no trespassing” sign reminds of the one in Orson Welles’s Citizen Kane), and to literature (when Benny works in Aberlardo’s house, there are around him three little portraits: a picture of Hemingway, a drawn self-portrait of Antonin Artaud, and another of Arthur Rimbaud), this film never becomes post-modern. Despites the sometime kitchness of the scenery (the Parricides festival of Patagonia) Coppola keeps it as pure as Greek tragedy.

The part of Tetro is played by the extraordinary Vincent Gallo, whose wise perfectionism and minerality, do not hide the torments that are going on under the mask of his incarnated beauty.

Benny played by Alden Ehrenreich is amazing, playful, brilliant, curious and sensitive.

Their trauma, like their artistic sensitivity, seem to have made Tetro and Benny destined to have dangerous accidents, and we spend the film suspended by the fear they can be crossed over by a car or a cruel destiny. This fragility creates the breathless tempo of this opus.

To me Tetro was a shock; I was a bit scared at the beginning by the flat black and white and fake Argentina, but soon the force of the characters’ emotions. The sense of humour, the assumed eccentricity, the originality of the treatment amazed me so much, that I absolutely don’t understand people who won’t consider it as a master-piece. It’s been so long since such an ambitious and altogether human film has made me feel that way: cinematically fulfilled!

Coppola with Tetro transcends autobiography by making it an universal myth!

PS with ***spoiler alert***:

After I saw Tetro, I went to bed with this film and also woke up with it. Strangely when I left the cinema I was still haunted by the risks taken by the characters and the possibility of all of the story turning into a tragedy, but when I woke up the following morning I thought that without a doubt it was a fairy tale and that the ogre father was out of the family portrait because by magic the surrogate, the brother had taken his role to lead this family far from rivalries and to art.

Marlene Dietrich campest queen of drama queens and Femme Fatale

La version française suit
Dishonored 1931 by Josef Von Sternberg
Third of the seven films that Marlene Dietrich and Josef Von Sternberg shot together, Dishonored is an amazing curiosity for 2009 eyes and ears. In 1931 cinema with sound was only 2 years old and the treatment is thus quite unexpected. It leaves us to imagine that another way to tell stories (another cinematographic grammar) could have been created.
Dishonored tells the story of Marie (Marlene Dietrich), widow of a young captain, she fell into misery and prostitution. She’s hired as a spy to act “where men failed” during the war between the Austro-Hungarian Empire and Russia.
The plastic beauty of this film does not give away anything from its emotional power. If in it Dietrich carries on working on her stardom persona: femme fatale ready to follow proudly her destiny till death (like a true tragic character),she is already bewitching. The cat that she carries with her all along the story seems to be her lazy double. He’s the detail that gives her away , “the only being [she] ha[s] the right to love” .
Dietrich’s body only moves like a block, her hands always on her waist like an old time beer fest waitress, and her eyes go laterally like those of an automat or of a soul trapped in an automat, by contrast the beauty of her face , her mystery makes us oblivious of the stiffness of her body language.


It’s interesting to note that she has a tendency to seduce and place herself in space, in the highest possible places: a balcony when she meets Kranau and she throws glitter to his face,;the top of giant Russian furniture when she seduces the general, playing hide and seek and impersonating a cat. To him she throws beer! It’s a very static and unconventional ( for 2009) posture of seduction but would be interesting to analyse as social behaviour !


In this opus surrounding sounds are mainly inexistent or at least reduced to the minimum (which is normal for a 1931 film)between two dialogues the silence takes all the space. That’s where music and pianos become so important. X27(Marie’s code name) plays the piano each time that she can. Music is always in the action, in the story and rarely off, as if Von Sternberg had refused the musical score to stress on the emotion (like it does in lots of Hollywood classics and also in the silent era films!)
The method gives a feeling of purity to the direction. When Marie plays the piano, it’s as if she is finally letting out the emotions she had to hide while being a spy. The emotion does not show simultaneously with the action, this film takes moments of introspection, which is absolutely rare and extraordinary! The music only join the course of events when the information is hidden in a partition she wrote, Kranau who plays it says that this music probably means the death of lots of men!
After the information is delivered the film leaves behind the intimacy of the love/duty relation to showDeath and Destruction . X27 in her leather raincoat witnesses the waltz of arrested officers when she spots the man she conned. Under the pretence of interrogating him she let him escape and for that is condemned to death.
Here the incredible symmetry of this opus’ construction, gives it its tragic touch. X27 ask to wear the same clothes that shewore when she worked for her country. They give her the suit she had on the day she had her first assignment when a young officer showed her the way (and already in love) murmured that he would follow her till death. This man is actually the one who will lead her to execution. She uses his sword to fix her hat, and when ready to die, sexy as hell, he stops the drums and cries that he doesn’t want to kill a woman or a man, that war is butchery. Marie fixes her lipstick and her stockings, he’s replaced and she dies!


Dishonored is not the first Von Sternberg I’ve seen, and the Blue Angel, Shangai Express or Blond Venus, are beautiful films, with a very classic narrative constructions, while Dishonored is so pure and strange. The screen fades are the longest I’ve ever seen, letting two actions visually overlapping. it’s as if he was experimenting with storytelling, this film is utterly original. And I’d love to know what lead to this strange construction!



Version française
Agent X27 de Josef Von Sternberg
Troisième des sept films que tournèrent ensemble Marlene Dietrich et Josef Von Sternberg, Agent X27 raconte l’histoire de Marie, veuve d’un capitaine, elle est tombée dans la misère et se prostitue. Elle est engagée par le chef des services secret comme espionne pour « agir là où les hommes échouent » ( la séduction).
La beauté plastique de ce film ne retire rien à l’émotion qu’il véhicule. Si Dietrich est encore dans la création de son personnage de femme fatale, prête à aller avec fierté jusqu’au bout de sa destinée , elle est déjà absolument ensorcelante. Le chat qu’elle promène tout au long de l’histoire semble être son double paresseux. Il est le détail qui la trahit « le seul être qu’ [elle] a le droit d’aimer » !
Le corps de Dietrich (et ça n’est pas spécifique à ce film, je me souviens que ça m’avait frappé lorsque j’ai vu la vidéo de son concert à Londres en 1972), bouge toujours d’un bloc, elle porte ses mains sur ses hanches comme une serveuse de brasserie Kanterbrau et ses yeux se meuvent souvent de façon latéral, comme si son âme avait été emprisonnée dans un corps d’automate. En revanche la beauté de son visage et le mystère qu’elle porte, font oublier la raideur de ce corps.


Il est intéressant de noter comment X27(c’est presque un nom de robot) occupe l’espace, elle a tendance à toujours se placer en hauteur. Elle est sur un balcon lorsqu’elle rencontre Kranau, lui est en bas et pour attirer son attention, elle lui lance des paillettes sur le visage. Elle est aussi en hauteur lorsqu’elle séduit le général, ils jouent à cache-cache et imitant un chat elle monte sur une armoire, puis au lieu de lui jeter des confettis comme à Kranau, fait couler sa bière sur son visage. Il serait passionnant d’étudier l’étrange façon dont la séduction s’opère dans ce film, ce serait presque une étude sociologique sur les rapports entre hommes et femmes dans l’Allemagne des années 30 (le film est tourné en Amérique mais le scénariste, réalisateur et certains acteurs sont germaniques)


Dans cet opus les bruits d’ambiance sont réduits au minimum. Entre deux dialogues, il y a un silence feutré de salle d’attente. La musique est pratiquement toujours interne à l’histoire, pas de grande symphonie comme dans le muet ou les films classique Hollywoodien, pour souligner les émotions. Les émotions ont leur propre temps qui est celui où X27 joue du piano. Bien que le jeu de Marlène (très jeune encore) soit très exagéré, j’aime beaucoup cette pureté de la mise en scène, qui veut justifier tous les procédés. Le piano permet à x27 de laisser échapper ses sentiments qui dans l’action était emprisonnés. L’effet est à vrai dire assez étrange, mais nullement ridicule, il est justement très étonnant !


Le seul moment où la musique réellement rejoint le cours des événements et n’est plus réservée à la libération des émotions, c’est lorsque X27 cache ses informations dans une partition. Kranau joue la musique, il dit que ces notes étranges « portent probablement en elles mort de beaucoup d’hommes ! » Cette composition ressemble à de la musique moderne, et probablement à l’image de la guerre , elle se dédouane de l’harmonie !


Une fois les informations délivrées ce qu’avait prédit Kranau se révèle vrai, et le film s’éloigne définitivement du luxe et des intérieurs cosy pour montrer dans un montage à la hache toute l’horreur des guerres ! Voilà X27 dans son imperméable de cuir qui regarde défiler les officiers russes humiliés, et parmi eux, l’homme qu’elle aime (Kranau). Sous prétexte de le faire parler, elle lui donne l’occasion de s’évader et pour cela, elle sera condamnée à mort !


Et là, la magnifique symétrie du film le rapproche de la tragédie classique. Alors qu’on lui demande ses dernières volontés, Marie veut bien entendu un piano, et les vêtements qu’elle portait lorsqu’elle travaillait au service de son pays. C’est habillée comme le jour où on lui a donné sa première mission qu’elle se présentera devant le peloton d’exécution, et c’est le jeune officier qui tout émue de sa beauté, en ce premier jour, lui avait promis qu’il la suivrait jusqu’ à la mort, qui doit l’amener à sa condamnation. Elle vérifie que son chapeau est bien mis en se regardant dans son sabre. Puis lorsque le tambour s’emporte n’en pouvant plus il l’arrête de ses deux mains en hurlant qu’il ne veut pas tuer une femme, ni un homme et qu’il y a déjà eu trop de mort ! Pendant ce temps Marie s’est mis du rouge à lèvre a remonté ses bas, le jeune officier est remplacé et elle meurt !
Cette fin est sublime, elle montre autant la fatigue des hommes face à la guerre que le pouvoir de la femme fatale, digne, féminine et sublime jusqu’au dernier instant ! Ce film est à la fois étrange et passionnant, il a les plus longs fondus enchaînés que j’ai vu, et bien que j’ai visualisés d’autres films de Von Sternberg antérieur ou postérieurs aucun n’avait une si grande part de recherche formelle et narrative. La construction de cette histoire est extrêmement originale et j’aimerais connaître les idées qui menèrent à ce résultat.

Funny People by Judd Apatow

English version of this article follows the French one!

Voici l’histoire d’un humoriste star George Simmons ( Adam Sandler) dépressif.

Tout le monde le reconnaît partout pour les stupides, mais hilarants, films dans lesquels il a joué. Mais bientôt s’installe une dichotomie entre son personnage public et la manière dont il ressent la vie. Ce film s’intéresse au thème classique et tragicomique des larmes du clown. George est malade, il est atteint d’une maladie rare proche de la leucémie, et ses chances de survie sont seulement de 8%.

Une nuit au comédie club, ses blagues morbides laissent les spectateurs froid, et lorsque qu’Ira apprenti comique ( qui travail pour un traiteur dans un supermarché et partage un appart’ avec deux autres jeunes comiques) doit passer derrière lui, la seul façon qu’il trouve pour faire rire le public est de se moquer de la star dépressive qui a tout ce qu’il n’a pas mais semble toujours désirer mourir ! George décide alors de l’engager.

Ce que j’aime avec Judd Apatow, c’est qu’il recréer à lui tout seul le genre de la comédie, en le ramenant à la réalité de la vie. La spécificité de ses films, est d’éviter contes de fées et deus ex machina. C'est-à-dire que l’essence de ses comédies passe justement par les moments qu’évitent les autres films, ceux où tout devient compliqué et où il faut lutter et se débrouiller.

Dans ce film, il y a une des scènes de comédie les plus extraordinaire que j’ai vu:

Dans son cabinet le médecin annonce à George, que son corps se bat contre le traitement. La nouvelle est tellement mauvaise que George commence à se moquer de l’accent du docteur suédois, en disant qu’avec un accent pareil aucune nouvelle ne pourrait être bonne, Ira embraye dans un combat de vanne qui avait commencé sur le sentiment tragique de la mort et fini par nous sauver de la tragédie imminente en nous amenant vers la pure comédie.

Cette scène est tellement extraordinairement écrite qu’il est impossible d’y rester indifférent!

Puis l’histoire tourne mal, et George est miraculeusement guéri ce qui signifie qu’il va devoir se débrouiller avec sa vie : il décide de reséduire l’amour de sa vie qui depuis 8 est mariée avec deux enfants…

Avec sensibilité Apatow montre les dysfonctionnements qui mènent à devenir humoriste. George en donne un bon résumé en expliquant à Ira que sa génération ne sera jamais aussi drôle que la sienne, car si lui a eu besoin de l’humour pour surmonter le divorce de ses parents, la génération de George a du apprendre à faire rire pour éviter les coups de batte de baseball, et il ajoute que le but de sa vie est de faire rire son père et qu’il en est encore loin !

Ce film rentre donc dans la lignée des Lenny de Bob Fosse et King of Comedy de Scorcese, interrogeant le lien profond entre l’humour et la survie mentale.

Ce film est bouleversant et profondément drôle, on en ressort réarmé pour la vie. Mais au-delà de l’écriture merveilleuse de Judd Apatow cette oeuvre est aussi profondément ancré dans les cultures indépendantes américaines : la musique californienne, la comédie américaine contemporaine et la culture contemporaine du web. Cette forme d’humour n’est pas forcément compréhensible pour les cultures qui n’en ont pas les clefs, comme la notre. Je crois que c’est pour ça que le film ne fait pas le succès qu’il mériterait au box office français.

Voici donc quelques clefs

La musique californienne des années 60/70 : Jason Shwartzmann est comparé à un jeune Jackson Browne ( Jacskon Browne a écrit des tubes pour les Eagles, Nico, il a été l’amant de Joni Mitchell et vit une carrière solo) . Durant la conférence Myspace, James Taylor chante et Ira lui demande s’il n’en a pas marre de chanter toujours les mêmes chansons. Comme Jackson Browne , Taylor fait partie des premiers auteur/compositeurs/chanteurs de la musique californienne, et ils étaient tous les deux sous le même Label Asylum. La plupart des films de Appatow se passent à Los Angeles mais en marge relative du monde du cinéma. Il est en effet intéressant de noter qu’en dehors du ciné, Hollywood a eu du mal a trouver sa crédibilité dans la musique et l’humour (dont New York a généralement le monopole) ! Je rappelle que Jason Shwartzmann est aussi musicien et producteur sous Coconut Records si vous ne connaissez pas plongez vous dedans c’est magnifique !

Les tee-shirts des personnages apportent un niveau différent d’interprétation tant ils semblent porter leur histoire propre. J’ai particulièrement aimé celui porté par Adam Sandler : Roscoe’s chicken. C’est une référence directe à cette comédie pratiquement inconnue en France, mais génialissime qu’est Tapeheads, d’ailleurs j’avais déjà fait un article dessus, et la vidéo de Roscoe y est donc vous verrez pourquoi j’ai adoré cette référence.

George Simmons a joué dans un film nommé Merman, c’est aussi une référence directe à une de mes comédies préférée Zoolander, où Ben Stiller est mannequin et a joué dans une pub où il était une sirène (mermaid) et quand les gens se fichent de lui il dit “not mermaid, merman! », je trouve que c’est brillantissime d’avoir développer cette idée jusqu’à imaginer en faire un film complet !

La conférence Myspace et les blagues sur les réseaux est aussi un must très ancrés dans notre époque ( bien que Myspace soit en grande ringardisation à lors actuelle!) la présence du vrai Tom de Myspace est splendide : le type existe en vrai !

Ayant dit tout cela, je me dois d’ajouter que le niveau du jeu d’acteur est incroyable, Adam Sandler a probablement décroché là le rôle de sa carrière !Seth Rogen est touchant et drôle, jason Shwartzmann étant depuis Rushmore mon chouchou ne me déçoit certainement pas, et les batailles de vannes avec Jonah hill volent haut dans le diagramme de l’humour… De splendides caméos, notamment celle d’Eminem…

Ce film est bouleversant, il nous tourneboule des larmes au rire, aborde des sujets très grave et sais rester léger et puissant : a ne surtout pas rater !

English Version

This is the story of George Simmons (Adam Sandler) a star comedian.

Every one recognises him everywhere for the stupid funny film he has performed in. But soon there’s a dichotomy between his public character and how he feels about life. This is the classic tragicomic theme of the tears of the clown. George’s got this rare disease close to leukaemia, his treatment gives him only 8% chances to survive.

One night in a comedy club he stuns the audience with depressive humour, that doesn’t get a laugh. Having to stand up after him Ira ( Seth Rogen) who works in a deli at the mall, and shares a flat with two other struggling comedians, mocks his depression! George decides to employ him.

So George might be dying, but he still have to work on his jokes, and making himself laugh even in the worst situation and that why he hired a young comedian, to help him find jokes in the worst situation of his life!

What I love about Apatow ‘s touch is that he’s taking the comedy outside of the clichés where it has been stuck from years. He brings back normal fucked up human beings and he doesn’t try to turn their story into a fairy tale. By this, I mean that he doesn’t skip the hard work to get to the result. In Judd Appatow’s film, that’s the hard work of life, which is tough, which makes the spice of the comedy and help us to relate by its none-stereotyped realism to the plot and the characters.

There’s in this film one of the most extraordinary comedy scene that I’ve ever seen.

When the Swedish doctor explains to George, that he’s getting sicker because his body is fighting against the medicine which are fighting against the disease, George starts to mock the doctor’s accent. He’s saying that whatever he would say would sound horrible with his James Bond’s villain accent. Then Ira helps him getting more jokes, and while this started quite badly soon it’s getting extraordinary funny, the spectator as much as the characters seem to find a way to escape the scary news by laughing at it in all possible ways!

This scene is so amazingly written that you cannot not be in awe with the man who wrote it. Then shit happens and Georges get unexpectedly better and tries to conquer back the “girl who got away” who is married with two children!

Apatow’s with sensitivity shows the rope and the core of comedians. According to George, his generation will always be funnier because Ira’s wants to make people laugh to forget about their parent’s divorce, while George’s had to be fast and efficient to save themselves from the baseball bat. This film shows like other masterpieces on comedians like Bob Fosse’s Lenny or Scorcese‘s King of comedy, how humour is profoundly linked to trauma.

Besides the cleverness, and sensitivity of the plot what I love about Appatow’s films, is what they carry of references to subcultures, and how specifically it’s nested in Californian, independent and contemporary culture.

Right now I am reading Barney Hoskyns ‘Hotel California, and hearing somebody say that Jason shwartzman looks like young Jackson Browne or hearing Ira asking James Taylor if he doesn’t get tired to always sing the same song just seems like an extraordinary funny coincidence.

I love the whole tee shirt subtext (or intertextuality to play it intellectual), and especially I was amazed to see Adam Sandler with a Roscoe chicken tee shirt reference to Tapeheads ( see the what I am talking about just here)

I love the fact the George Simmons played in a film called Merman, because the Merman’s line is one of my favourite in Zoolander. Imagining that it could be a whole film is just brilliant.

The Myspace conference, with the presence of Tom (from myspace), the joke about Facebook, and the kitten videos on Youtube; anchor the film in the internet contemporary culture.

Having said all that I still need to say that the acting level is extremely high Adam Sandler is fantastic, Seth Rogen touching and funny, Jason Shwartzmann delicate and weird as usual, leslie Man excellent as in Knocked up ( we need to se more of her), Jonah Hill, Eric Bana, and numerous excellent cameos like the paranoid one of Eminem!

In short this film is a must see, it makes you cry and makes you laugh, it gives a cheer amount of fantastic energy!

La Huitième Femme de Barbe Bleue de Ernst Lubitsch

Le cinéma est magique, il donne à des figures disparues il y a longtemps l’immortalité dans leur jeunesse, leur beauté, leur attraction sexuelle et leur humanité. Evidemment certaines stars et de nombreux films ne vieillissent pas bien, et l’age n’est certainement pas un critère de qualité (d’ailleurs peut on parler de vieux film pour un art qui comparé aux autres n’a que 114 ans ?) . Mais La Huitième femme de Barbe Bleue est un chef d’œuvre qui ne peut pas vieillir.

Ce film commence donc sur la cote d’Azure où un américain fait un scandale dans un grand magasin. Il veut seulement acheter le haut de son pyjama. Une jeune femme arrive et achète le bas. La chimie est immédiate entre Michael Brandon (Gary Cooper) et Nicole de Loiselle (Claudette Colbert), mais pourquoi a-t-elle acheté le bas ? ce bas de pyjama ne peut pas être pour elle, elle est trop petite et Cooper trop grand! C’est un des employés du magasin qui conclut pour Cooper « C’est une femme amoureuse ! »

Cooper a des insomnies et il est milliardaire, il demande donc a changer de chambre. Alors qu’on lui fait visiter une suite, un noble déchu squatte le lit. Quand il en sort Cooper reconnaît le pantalon de pyjama et apprenant que l’homme est le père de la jeune femme décide sur le champ qu’il épousera Nicole. Elle est très agacée par son arrogance d’américain, et le pousse à lui faire la cour. Là l’amour naît. Seulement après avoir acceptée de l’épouser Nicole apprend qu’elle sera la huitième épouse de Michael, traitée comme une marchandise elle décide de faire monter le prix du divorce éventuel.

Elle part en lune de miel bien décidée à lui faire payer de l’avoir acheté et d’avoir marchandé leur mariage. Rapidement, ce mariage tourne au cauchemar car Colbert fait chambre à part et maltraite (psychologiquement)Cooper… Il tente de la séduire par plusieurs moyens et s’inspire même de Shakespeare pour apprivoiser sa « mégère ». Il n’a pas compris que c’est lui qui faisait l’objet d’un apprivoisement…

Ce film est de Lubitsch, la magie réside donc dans la mise en scène d’une fluidité, d’une maîtrise et d’une inventivité jamais vue depuis ! On appelle cela la « Lubitsch touch », qui peut être définie par une capacité à transcender la grossièreté et la rendre légère, par le truchement de l’ellipse par exemple . Cette fiction est profondément touchante et drôle mais aussi et malgré le code Hayes, sensuelle. Il s’agit d’une histoire d’amour puis d’un apprentissage, celui de l’amour. Cette fiction constate avec humour que l’amour ne peut pas exister sans sa part de souffrance, que du moins il ne peut pas durer sans avoir flirté avec la frustration. Gary Cooper est plus que touchant en homme blessé, en homme qui finalement et c’est profondément moderne dans un film de 1938, accepte de montrer sa sensibilité. Cette comédie est d’autant plus drôle qu’elle menace constamment de tourner au drame.

Tapeheads by Bill Fishman

                      

If the death of Michael Jackson taught us something it’s that it’s by him that the video clip became mandatory in pop culture. In 1988 small films with two futures big stars shows us the evidence: moving picture was the future of music! This film is called Tapeheads, it’s the work of Bill Fishman.

It started in a London Video club, on the white box of the DVD; I saw the united names of John Cusack and Tim Robbins. What’s make you go to a movie? This time what attracted me were the actors’ names? Do I need to be more specific? John Cusack: High fidelity, Midnight in the garden of good and evil, Being John Malkovich, Grosse point blank, Bullets over Broadway: cult films, sublime or funny, tortured and seductive! The curiosity took me, and we took Tapeheads home! After five minutes of seeing this film, hallucinated I mentally shouted: “This movie is genius!”

What is Tapeheads? It’s a comedy with music and about music, as funny and creative as monuments like Spinal Tap and Tenacious D and the Pick of destiny!

For Josh (Robbins)’s Birthday Ivan (Cusack) let a strange partying crowd get in the nuclear central they’re supposed to protect!

While they’re chief is in the toilets reading an army magazine, the party gets crazy and Josh use the cctv equipment to make a video clip. In the toilets, the chief sees a pair of stiletto which are peeing standing! He comes back furious into the surveillance room saying that he saw an UFOP (Unidentified female on premise)! They loose their jobs and everything can begin: they will become Video Aces, and produce music videos!

Of course no major wants them! So they‘ll do little filming jobs to keep the material: they’ll film a dog medium at work (so kitsch it’s awesome), will film a dying man last wills ( except they will harass the guy who will die during the shooting!)

They’ll do an ad for Roscoe’s chicken wings and waffles:

Eventually Ivan find them a contract … on specs! I love the fact that to get to this production he had to get out of the elevator in the same way he did to reach floor 7 ½ in Being John Malkovich!

When they’re filming the party of a candidate to be president of the USA, a compromising tape is hidden in their things. The candidate M. Mart (his wife is called Kay Mart!!) loves atomic bombs and gives cigarettes to little kids in his campaign ad, will throw at them his burlesque hitmen!

This film is a sophisticated and cathartic massacre game! Music is omnipresent, and the integration of films in the film is brilliant and creative! It can be television, the music videos, super 8, advertisement, it all help into the development of the story in a dynamic and visually impressive way! The invention in this opus is pop, surrealist, dada, naïve but rarely post-modern. I mean by that, that parody is rare in this movie except when the two girl are playing the kung fu bitches Bruce Lee’s way! Fishman sees television, which was negative and dangerous in some other eighties movies like Videodrome or Poltergeist, as a creative tool, too present, but inspiring! Belinda thinks that Roscoe’s first ad was an interesting art performance!

Despite of the creativity of the script, this film would be nothing without his actors: Cusack is generous with energy and passion. Tim Robbins’ transformation from a shy geek into a man is remarkably refined for such an anonymous opus! Don Cornelius playing “Am I crying?”Mo Fuzz is hilarious and charismatic!!

This film is full of Cameos: there is one of Courtney Love! Tapeheads was produced by Mike Nesmith (ex Monkees), so it’s in the musical business and independently that Tapeheads was produced and that probably explains that regrettable lack of visibility! This film just deserves to be cult, so take any opportunity to watch it!

La version française de cet article se trouve là:

http://www.passionducinema.com/component/k2/item/37

http://www.passionducinema.com