Opening Night, John Cassavetes

La version française suit la version anglaise.

Often I write about films that I have just discovered whether they are classics or not, and my opinion is always fresh. Today it's different cinétrafic asked me to make a critic about a film that I know by heart, and which is easily on of my favourite films ever.

I first saw Opening night when I was fifteen or sixteen and my attraction towards this film was kind of weird because it looked like all I wouldn't love, but God I loved it and still do, I was obsessed by this film.

Myrtle Gordon actress in her fifties has to play a part that she doesn't rely to. Acting and theatre is all her life, she has no family, no husband no children, acting is all that she have, and she knows her job but this time she can't find, can't understand who the part is and everyone projects their own problems on her. The author who's an ageing woman thinks that Myrtle can't deal with age, her director that she's trying to screw the play...

After one of the rehearsal in public, a young fan follows her to her car screaming “I love you, I love you, I love you, I love you”, and while the car starts under the pouring rain, while she's still sending kisses, she's run over by a car, and dies. It's a tragedy for everyone, but for Myrtle this girl was passion, and emotions and now that she has aged her emotions and passions are not as strong as they used to be therefore she uses the ghost or projection of this girl to try to relate to her character, but what the mind creates is difficult to control.

This film is about creation, about how personal it is and about the sacrifices that you have to make to make art, not something pretty and convenient but something that involves guts and power, something that will change you forever.

Everyone in the play beside Myrtle would settle for convenient! Myrtle knows what theatre can do, she saw it again in her young fan's passion and would not settle for less than magical.

In this film Gena Rowlands who plays Myrtle Gordon is the best actress in the whole world, she's extraordinary, amazing, she's a goddess.

I have seen this film a hundreds of times and there has always been something new in it, at each viewing.

John Cassavetes is one of the rare filmmakers that never stayed at the surface of things, and in his this film he explores what is the creation of a part, the great amount of danger and magic it deals with, how you can loose yourself easily, and how no one is able to help you. Creation is a lonely path, that demands to get involved, committed with one's whole body and soul. Every actor or actor to be should see it and maybe we would get rid of all the nice and ok films of the earth.

J'écris souvent à propos de films que je viens de découvrir qu'ils soient des classiques ou non, et d'habitude mon opinion sur ces oeuvres est de première fraîcheur. Aujourd'hui à l'occasion de sa ressortie en DVD Cinétrafic me demande d'écrire une critique à propos d'un film que je connais par coeur, et un film qui construisit ce que je suis.

La première fois que j'ai vu Opening Night, je devais avoir 15 ou 16 ans, et je trouvais mon attirance pour ce film ,étrange, tant extérieurement il avait l'air glauque et triste, tout ce que normalement je n'aurais pas dû aimer, mais je le regardais et le reregardais sans l'épuiser, j'étais obsédée par ce film.

Myrtle Gordon une actrice qui a la cinquantaine doit jouer un personnage qu'elle ne comprend pas, le jeu et le théâtre sont toute sa vie. Elle ne s'est pas mariée, elle n'a ni enfants, ni famille, tout ce qui compte pour elle c'est son travail. Mais cette fois, elle se sent vidée de l'intérieur et ne sait pas qui est cette femme qu'elle joue, et personne ne peut l'aider. Tout le monde projette sur elle ses propres problèmes. L'auteure pense que Myrtle n'assume pas de vieillir, son metteur en scène pense qu'elle veut le faire échouer...

Après une des répétitions publiques avant la première à Broadway, une jeune femme accoste Myrtle, il pleut à torrent et pourtant la jeune femme la suit jusqu'à sa voiture répétant inlassablement “I love you, I love you, I love you, I love you” la voiture démarre et la jeune femme continue d'envoyer des baisers vers Myrtle, mais soudain une voiture qui ne l'avait pas vue l'écrase et elle meure. Pour tout le monde c'est une tragédie, mais pour Myrtle cette fille c'était l'ouverture sur le monde, la passion, et l'émotion ce qu'elle a perdu, alors elle utilise le fantôme ou la projection de cette jeune femme pour trouver l'âme de son rôle... mais l'inconscient n'est pas contrôlable.

Ce film parle de la création d'un rôle, à quel point c'est quelque chose de personnel, et à quel point il faut faire des sacrifices si on veut faire de l'art non pas de l'artisanat ou quelque chose de joli, de sympathique mais quelque chose qui vient des tripes qui est puissant et qui vous changera pour toujours.

Tout le monde dans la pièce se contenterait d'un jeu sympathique, mais pas Myrtle! Myrtle connait le pouvoir du théâtre, elle l'a vue encore une fois dans la passion de sa jeune fan.

Dans ce film Gena Rowlands qui joue le rôle de Myrtle Gordon est la meilleure actrice de tous les temps, elle est extraordinaire, incroyable, c'est une déesse.

J'ai vu ce film des dizaines de fois, et j'y ai toujours trouvé quelque chose de nouveau, à chaque visions, il est inépuisable.

John Cassavetes est un des rares cinéastes qui n'est jamais resté à la surface des choses, et dans ce film il explore ce qu'est la création d'un rôle, la grande quantité de danger et de magie qui entrent en jeu quand l'acteur refuse de faire semblant, de prétendre. La solitude qui en émane, mais aussi le résultat extraordinaire d'un travail qui joue avec les forces de l'imagination, de la vie, de la mort et de l'amour. La création est un chemin solitaire, qui demande un investissement total, un engagement entier du corps et de l'esprit. Chaque acteur, ou chaque personne désirant être acteur (actrice) devrait voir ce film, et peut-être qu'on en finirait avec le sympathique et le gentil!

Projet Shadows, faire un film à partir d'impros !

Inspiré du travail de John Cassavetes sur son premier film Shadows, Projet Shadows est un atelier d'improvisation cinéma, à partir duquel un moyen métrage va être créé.

À travers des exercices d'imagination, de placement du corps dans l'espace et des improvisations actors studio, nous travaillons les émotions et la disponibilité de l'acteur.

Le projet reprend du 30 avril jusqu'au 18 juin si vous souhaitez nous rejoindre, contactez nous à projetshadows@gmail.com
Tarif forfaitaire à partir du 30 avril 131 euros pour 8 séances de 4 heures.

THE LIMITS OF CONTROL JIM JARMUSCH

ENGLISH VERSION FOLLOWS THE FRENCH ONE!

Un tueur (Isaach de Bankole) vêtu de costumes de soie sauvage, suit les traces données par une mystérieuse organisation pour tuer un homme (The Man?*). Chaque personne qu’il rencontre durant son voyage échange avec lui une boite d’allumette contenant les informations dont il a besoin, et lui parle de son sujet favori, comme si avant qu’il atteigne sa victime il devait ingérer (comme les bouts de papier dans les boites d’allumettes) tout un bagage théorique sur la vie, l’art et son sens. Ce film est un voyage, un jeu d’imagination, une chasse aux trésors…

Concentré et plus qu’humain (ou moins, de façon éphémère) dans sa discipline de travail, notre tueur ne se détend jamais, ne dort pas et n’a pas de relations sexuelles. Sa discipline nous rappelle celle du samouraï dépeinte dans un autre film de Jarmusch : Ghost Dog. Lorsqu’il travaille tous ses sens et aussi son sens du goût sont hypersensibles pour détecter le moindre changement dans l’environnement et se débarrasser des éléments perturbateurs que sont les revolvers et les téléphones portables. Non seulement il est payé pour tuer un homme, mais aussi pour vivre un voyage initiatique. Ce voyage au lieu d’être focalisé sur la spiritualité, est concentré sur les arts (musique, peinture, cinéma) le sens de la vie de Bohème, les drogues hallucinogènes et enfin la Révolution, Révolution contre les forces qui oppressent l’imagination, Révolution contre les forces qui essayent de tuer la fantaisie et les rêves !

En regardant le film j’ai souvent pensé au bouquin de Paul Auster (La Cité de Verre) dans lequel un détective est payé par l’homme qu’il observe (si je me trompe sur l’histoire ne m’en veuillez pas j’ai lu ce livre il y a 1000 ans).

A chaque fois que notre assassin se déplace vers une nouvelle ville, la chambre où il vit est plus dénuée et l’environnement plus éloigné de la civilisation, plus lumineux et plus pure. Plus nous avançons dans l’histoire, plus le paysage devient lui aussi halluciné.

J’ai adoré ce film d’un bout à l’autre: la formidable musique de Boris ( qui rappelle le meilleur de My Bloody Valentine), l’histoire, le traitement visuel, l’humour, et le sens général de cette quête ont fait vibré toutes les cordes de mon être.

Très vite on comprend que l’organisation est plus métaphysique que criminelle, et la fantaisie (et les fantasmes), la sensibilité, la personnalité de chaque personne avec qui le tueur interagit est excitante et géniale.

Ce film est construit sur la répétition et la différenciation ; tout semble pareil, mais tout évolue, et si le rythme commence lentement comme celui d’un flamenco il va s’accélérer pour arriver à un sommet orgasmique.

Cette œuvre me fait aussi penser aux aventures de Corto Maltese lorsqu’elles deviennent abstraites, comme dans mon album favori Mü, où Corto parti à la recherche du continent perdu fini par explorer son propre inconscient. J’adore lorsque la géographie se mélange avec la conscience profonde des hommes.

Je suppose que tout le voyage est fait pour ouvrir l’esprit du tueur, pour lui permettre d’utiliser son “Imagination”!

Ce film me rappelle aussi les Cassavetes dans lesquels les meurtres et la Mafia font parti de l’histoire: Gloria et Meurtre d’un Bookmaker Chinois. Ces deux films, à un certain point, deviennent magiques et se dédouanent du réalisme : j’ai toujours été impressionnée par l’habileté avec laquelle Cosmo Vitelli mène le meurtre, et nous ne saurons jamais comment Gloria a fait pour échapper au piège de l’ascenseur.

The Limits of Control est construit et puissant, pour moi c’est le plus beau de tous les films de Jim Jarmusch . Je suppose que les gens qui ont quitté le cinéma, ou qui se sont ennuyés, aiment avoir une longueur d’avance sur le film qu’ils regardent (comme avec les blockbusters) ou bien ils sont incapables de se laisser porter par une fiction et un monde imaginatif qui n’est pas le leur… peut-être ! En tout cas, les gens qui ont aimés ce film, ont quittés le cinéma plus heureux que jamais.

J’ai vraiment apprécié la performance de tous les acteurs qui semblent s’être beaucoup amusés. J’ai particulièrement aimé les britannique Tilda Swinton en déesse kitsch du cinéma qui aime (comme moi) les vieux « très vieux films », ou John Hurt et sa voix de vieux dragon ( ;-)). Tous ces hommes et femmes de l’organisation viennent du monde entier, et ils semblent être comme les muses de l’antiquité : les protecteurs des arts.

Si ce que j’écris là vous a plus ou moins touché, allez absolument voir ce chef d’œuvre c’est pour moi le meilleur film de 2009 !

*The Man est une expression beaucoup utilisé dans le rock anglo-saxon pour parler de la société et de l’oppression en général « working for the man » c’est être l’esclave de la société !

A killer (Isaach de Bankole), dressed in wild silk suits, follows the tracks given by a mysterious organisation to kill a man (The Man?). Each person he meets en route exchange with him a matchbox containing the information he needs and tell him about his or her favourite subject, as if until he reach the man he has to eliminate, he had to learn about life and its meaning. It’s a road trip, a game of imagination, a treasure chase…

Focused and more/less human in his discipline of work our killer does not sleep or have sex. He reminds of us of the way of the samurai followed in Ghost Dog. While working, all his senses are akin to detect every changes in the environment and getting rid of disturbances like guns and mobile phones. He’s paid, not only to kill the man but also to have an initiatic journey. This journey instead of being focused on spirituality, is focused on arts (music, paint, cinema) the very meaning of bohemian life, hallucigenic drugs and finally Revolution, Revolution against the forces oppressing imagination, more than dull economic revolution. Revolution against the force which are trying to kill fantasy and dreams!

A Paul Auster’s influence crossed my mind, many times, with the way how the mission is constructed to also be a story.

Each time our killer move to another city and another room, this one become purer in terms of environment and more detached from life, the last one being covered by white sheet in the very luminous south of Spain. And also the further we go in the story the more hallucinated the landscape become.

I enjoyed every bits of this opus: the amazing music of Boris (reminding me of the best My Bloody valentine), the story, the visuals, the humour and the overall meaning.

Soon we get to understand that the organisation is more metaphysical than criminal and the fantasy, the richness of every person that interacts with our killer is exciting and fun.

The film is constructed on repetitions and differentiation, all seems the same, but everything keep changing like the rhythm of a flamenco, starting slow and then getting orgasmic.

It reminds me of the adventures of Corto Maltese when they become abstract like in my favourite album Mü, where Corto was travelling to find a lost continent and ended up exploring is own subconscious, I love when geography mix up with the deep conscience of Men!

I guess that the whole journey is made to open the killer’s mind to make him able to use is Imagination!

This film also reminds me of the Cassavetes’ that involve the Mafia: Gloria and The Killing of a Chinese Bookie. Both at some point become magical in the way the character solve situation in impossible ways. I am always amazed at how Cosmo Vitelli is efficient in the murder, and we’ll never know how Gloria escaped from the elevator.

The Limits of Control is strong and beautiful, to me it’s the most amazing Jim Jarmusch’s and the strongest.

I guess that if people left the cinema or got bored it’s because they want to be ahead of the story like in a blockbuster, or that they’re unable to let themselves go in the fiction and imagination world which isn’t theirs… maybe! There is one thing I know the people who enjoyed it, left the cinema happier than ever!

I really enjoyed the performances of the actors who all had fun, especially the Brits Tilda Swinton as a kitsch cinema goddess who loves (like me) old “ very old films” or John Hurt with his great dragon’s voice (;-)). All those men and women of the organisation coming from all over the world are like the antic muses protecting the arts.

If anything I wrote touched you, don’t hesitate and go watch this master piece, to me it’s the best film of 2009!

Tempest by Paul Mazursky

Loving unloved or forgotten films is altogether painful and magic. It gives the feeling of being one of the“happy few”! In my Tapeheads critic, I wrote that sometimes you come to a film for its actors. It’s a bit unfair to the filmmakers and scriptwriters of the world, but we’ve been raised with Hollywood, and the star system, so was our vision of the world!My attraction for this film goes beyond curiosity! I had to satisfy a quest for a character painfully gone: John Cassavetes!
In France he’s recognised as one of the greatest filmmaker on earth; in USA he’s better known as a seventies actor! For a few years now the hard work of a critic: Ray Carney, gave the filmmaker credits. Alas! for this man it’s hard to stay in the shadow and American filmgoers give him a big part of the laurels only Cassavetes deserves! Personally I never liked intermediaries! Most of the films John Cassavetes played in (Rosemary baby, Fury, Dirty Dozen, the Killers…) even very good, has not much to do with his work as a filmmaker. This is not the case of Tempest!


It’s clear to me that Mazursky knew and appreciated Cassavetes’work, and that he’s been nourished with Opening Night and Love Streams for the creation of the characters of Philip and Antonia! Of course actors are also authors in the sense that their way of being, voice, tone and body language marks the films with their presence and charisma! But in Tempest the dialogues and the themes, like the end of love and midlife crisis could be cassavetian! This film is a free adaptation of Shakespeare’s Tempest. Besides Rowlands and Cassavetes, Maggie Ringwald (in her first part), Susan Sarandon, Vittorio Gassman and Raul Julia are completing this cast, making it one of the eighties beautifulest!


Philip Demetrius(JC) famous architect, works for the classy mob Alonso (Gassman). When they visit the casino which Philip his designing, he projects himself at the top of the structure jumping from there. The metaphor is clear: this job is soul suicide! His healthy reaction is to say immediately “I quit!” but it’s impossible unless having career and knee destroyed! Hatred is rising in him and he feels more and more trapped in his own life ! His youth is flying away! His spouse Antonia (Gena Rowlands, Cassavetes’wife in real life) is going another way; she wants to go back on stage and feels her husband hatred! She leaves him for Alonso, who this way gives back Philip’s freedom! Philip flies to Greece with his daughter Miranda! Greece is the country of his ancestors as it was for John Cassavetes! In Athens he meets Aretha (Sarandon) she becomes his lover! Antonia and Alonso find them and ask for Miranda, but this one is angry against her mother and refuses to live with her. Philip, Aretha and Miranda hide on a lost island in the Mediterranean Sea!


From Shakespeare’s masterpiece, Mazursky kept the time unity, theatricality, Caliban and more important than anything the magical connection between human and nature. The action of this film happens during one day, the flash backs give us the facts that led to the present moment. Now the feelings born from past actions have marinated enough and the island inhabitants are under pressure, they are ready to explode! Revendications reach their paroxysm; it’s puberty for Miranda, and the desire to build a future for Aretha. Philip by isolating them is the creator of this pressure!


What’s going on in Demetrius’head is darker, more subterranean: he is his own oppressor, and start to have hallucinations, to suffer from what he lost, what he didn’t fight for: his love! I love the fact that this character is altogether powerful and selfish. He is pagan in a Jove way; he can command the storm but is not beyond bad deeds!And if his anger is not legitimized, it’s also not judged by the film ! This opus is beyond the judgements of good and evil, and that is good! I think that John Cassavetes is a fantastic casting choice: he is this magician who because of his emotions can provoke a tempest.


What is a tempest? It’s a climax, the moment where the forces of nature are revealed and where humans emotions emerging “Once more with feeling!” “Show me the magic!” What is more intelligent that giving that part to a filmmaker who was a director whose means of expressions were the pure, and violent real emotions. And Philip is also a stage director (he’s restoring an antic theatre, has an almost paranormal conscience of who is where on the island!) In French we sometimes call filmmakers « réalisateurs » people who make things real or also who help realize, help to the blossoming of a soul! Cassavetes was definitely one of those magicians and in this part that’s also what he is! When he unleashes the final tempest, he does not only unleash his feelings and the elements, he also by the power of fire and water performs a purification!
« Your lives have been spared, on that island we celebrate that with a sacrifice! » and on this despites of the protestations, he slaughters a goat. In theory isn’t it said that one of the possible etymologies of catharsis is the ritual sacrifice of a ram (goat here!) on which all human suffering were projected? That’s the produced effect : cathartic!


The treatment of the music in this film is also very interesting. Music is omnipresent and in different ways: the characters are singing and dancing on the music they produce “in”, they’re bringing their stereo everywhere (or flute for Calibanos (Raul Julia) which is recreating Liza Minelli’s New York New York for his goats! It’s hilarious!), or the music is classically “in”! This film is on the verge of being a musical!


It’s also impossible not to mention the beauty of the island, the beauty of the landscape, the sky, the turquoise blue water, the antic theatre and the white houses. Impossible not to mention this simple life under the sun, where one eats feta cheese, tomatoes, olives and bread; where one rests, makes love on a hammock, and where one can swim whenever one wants and even naked, because there is almost no one in this paradise !


This film as I said is questioning the couple and its evolution, the desire of Antonia is clearly expressed when she says to Philip that she not only wanted to be by his sides but that she wanted to participate ! She wanted both of them to make sacrifices, not only her!
Once all that is expressed, remains the fantasy that led to this film : watching this mysterious and fascinating couple that Rowlands and Cassavetes formed; watching them interact and be fascinated by the impossible captation of real feelings and real love on a cinema screen!
From an island to another : the film finishes on the return to NY and the credits song better than “They got married and had a lot of children” gives an idea of the work ahead: «we’ll turn Manhattan into a isle of joy!”


Then the actors present themselves one by one, and salute us altogether like they would on a theatre stage!

Version française sur ce lien!
http://www.passionducinema.com/chroniques/chroniques/item/51-tempest

Broken English by Zoe Cassavetes

English version

Without knowing who was directing this film, I would have been intrigued by its title, title of this Marianne Faithful’s masterpiece, from the eponym album. Though this film was released in 2007, it was a preview that Zoe Cassavetes honored by her peaceful presence.
Here, we have an independent movie, shot in 20 days and in film which is a rarer and rarer case, as filmmaking has been made easier by the invention of digital. Film gives a green minerality to the film ( is this from the silver particles?)

This is the story of a young woman who can’t find or keep love, she’s more or less clumsy with it, not very well adjusted and incapable of surviving the grief of her father’s death. This is the aquatic story of unsatisfied love of life, or the memory that there was once a love of life in this person. Then one day she finds her prince charming in this French guy who’s only here for her beautiful eyes, who’s like a mass for present times, and then go back to far away Europe.

After this episode her slithering depression reachs new depths, and she decides to go to Paris to find him. “Paris est une toute petite ville pour deux personnes qui s’aiment d’un amour aussi grand que le notre” said ironically Arletty /Garance in Marcel Carné’s Children of Paradise. And suddenly French people are children of paradise, innocent and fresh in love… as if they were all loving puppies. Despites of that the film doesn’t fall in clichés, having been a Parisian for long enough, I know that you find people that you were searching in this city.
I like the honesty of this film, the fact that the death of the father is carried as a weigh. Like it’s probably the case for Zoé in real life. I felt solidarity, as I think numerous filmgoers who cry the absence of a John Cassavetes in those days of cultural dryness, do. I liked the fact that she’s also honest with the cities. I loved the cast: Parker Posey reminding me of my Australian friend Alice, Drea de Matteo as an unsatisfied married woman, far from her character in the Sopranos, Gena Rowlands showing straight face telling her daugther that she should buy new make up and wear the highest heels in town, Melville Poupaud, being an almost (but charming) caricature of a French guy (I think that two mythologies actually mixed up: French and Italian!)
I was very moved to shake Zoe Cassavetes’ hand. I felt quite stupid after that to tell her, “please go on!” then that she was more working in her father’s continuity than her brother, but my friends told me that even if I am nobody, that, encouragements are sometimes the little thing that helps carrying on.
The soundtrack and the aesthetics of this film are beautiful , it’s somehow precious and fragile.

Version française
Sans savoir qui dirige ce film, j’aurais voulu le voir, à cause de son titre (la magnifique chanson de Marianne Faithful) ou de son affiche, mais ma curiosité pour l’engeance de John Cassavetes, même si elle était presque morte et enterrée avec Nick, mettait encore de l’espoir en Zoé.
Ce film a été tourné comme un film indépendant à l’ancienne, ce qui est pratiquement luxueux : en vingt jours, sur pellicule.
J’ignore si ce sont les contraintes de la pellicule ou le mauvais temps sur ce tournage, mais sa lumière légèrement verte et aquatique, lui a donné une teinte de mélancolie océane, fascinante par sa beauté minérale.

Voici l’histoire d’une jeune femme, déprimée, et angoissée,  qui vit sa petite vie au jour le jour, espérant le grand amour, en faisant passer la pilule avec des pilules et du vin. Elle n’arrive pas à trouver l’amour, ou le trouve sans arrêt là où il n’est pas. Elle n’a pas dépassé le deuil de son père, elle n’est pas vraiment à sa place dans la comédie de la vie. Sa mère jouée par Gena Rowlands, qui fait son age, lui assène des conseils au charme peu contemporain : «va dans une fête, achètes toi un nouveau rouge à lèvres, mets les plus hauts talons les plus hauts que tu puisses trouver «pretend you’re happy when you’re blue » ». Comment ne pas voir dans cette œuvre des réminiscences de Minnie and Moskowitz, notre héroine (jouée par la très chic Parker Posey) boucle la boucle, en rendant son père à Bogart,dans lequel John Cassavetes se projetait comme amant idéal de sa femme lorsque Minnie regardait Casablanca. Le spectateur qui partage le deuil de Zoé ne peut qu’être touché, et ému, lui qui subit depuis trop longtemps maintenant le déni de Gena ou du cinéma en général qui prétend avoir digéré l’héritage. Mais voilà la mère est solide, elle aime la vie, et préfère un ersatz plutôt que de perdre ses dernières années en lamentations. Puis arrive Melville Poupaud qui l’aime instantanément comme un chiot et la confronte à ce qu’elle pensait souhaiter. Elle va alors devoir apprendre à être aimée, entre la peur de faire fuir, et la peur de faire rester.
Ce film est très touchant, parce que profondément honnête. Il est relativement minimaliste comme les œuvres de Sofia par rapport aux œuvres de Francis Ford, mais son charme, sa délicatesse ne le privent pas d’une maestria du traitement de l’image, d’un soin des détails extrêmement beau, et son dégraissage de toute vulgarité, en font un objet précieux et fragile, qui touche l’âme, la troublant légèrement, c’est une rivière paisiblement remué, quand les œuvres du père emportées par une joie de vivre intrinsèques et douloureuse, nous décollaient comme des océans sur des territoires d’un lyrisme émotionnels jamais atteint en cinématographie auparavant et depuis. Aucune catharsis ne sait vraiment nettoyer un deuil, ou une mélancolie profonde, ne peut remplacer une joie de vivre éteinte, mais ce film ne se ment pas ne se décore pas de myriades de mensonges hollywoodien, il est dans la continuité du travail paternel auquel Zoé semble s’adonner comme à un devoir de fille autant spirituelle que biologique, et il est probable que ce travail ne se fasse pas sans choix douloureux, et c’est admirable de ne pas avoir choisi la facilité et le clinquant d’Hollywood à cette souffrance légèrement voilée de deuil, de larmes et d'egocentrisme dépréciatif.